想知道爵士乐的起源和发展,热爱她的人还有否?

2024-12-05 05:51:08
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回答1:

雷 查尔斯,诺拉 琼丝是我最喜欢的!
电影中的爵士王家卫的《花样年华》让古老的爵士歌手Nat King Cole一下子迷倒了中国观众。《珍珠港》中给空军小伙子们出征前和护士欢聚的温馨场面配乐的正是爵士。还有《卡萨布兰卡》中那曲伤感的《Time goes by》、《廊桥遗梦》中男歌手强尼哈特曼所唱的《For All We Know》、《I See Your Face Before Me》,有浓厚蓝调色彩的黛安娜 . 华盛顿演唱的那首《Soft Wind》,《西雅图夜未眠》中路易.阿姆斯特朗的爵士名曲《Makin'Mhoopee》、《新娘不是我》中美国歌王Bennett的《The Way You Look Tonight》,尼古拉斯凯奇主演的《爱在纽约》中悲情歌后Billie Holiday演唱的《They Can't Take That Away From Me》,科波拉的《棉花俱乐部》、马丁.斯科赛斯的《出租车司机》……用爵士配乐的电影数不胜数。 在这个多元文化的音乐时代,爵士元素越来越多地被采纳,流行音乐、摇滚乐、古典音乐、红透全球的Hip-pop,其中都有着爵士的影子。Radiohead的新作《KID A》,Kenny G的萨克斯,窦唯的译乐队,顺子的新专辑《...and music's there...》,丁薇的《断翅的蝴蝶》……其实,爵士的独特魅力已经被越来越多的人熟悉和喜爱.什么是爵士?简单的说,爵士乐是一种杂交的乐种。从它的身上可以找到美国民歌小调,黑人灵乐怨曲以及各种村音俗韵的身影。这种"鸡尾酒"式的音乐从其发端说来不过百十年的历史。

一、爵士乐起源的背景文化 (一)、非洲渊源 爵士乐来自黑人音乐,黑人音乐的故乡是非洲音乐。在非洲文化中,音乐以对人生的全部理解为其基础,无所不在,充斥着一切,不仅仅有服务于宗教,而且服务于生活的所有方面,包括生老病死,工作与娱乐。非洲,这块充满原始野性的大陆其音乐中最突出、最主要的因素是节奏。原住民手下的鼓在太阳的炙烤下自然诞生了火焰般跳跃的节奏。于是,这种节奏成了非洲音乐的内核,它所独具的活力和强烈的感染力让全世界每一个听到的人都能深切感受到来自非洲的动感冲击。非洲音乐传统是"口头的",既无记录也无常规,只是带有本地风情.。口头传统产生灵活性和创作力。节奏歌词随领唱情绪而变。领唱(常)在演出中编新词新调,这就是"即兴"的含义,即艺术家用脑(和心)创作。非洲音乐另一突出特点是,演出中变换节奏。通常是起奏延缓、随机强调音节。18世纪到19世纪,黑奴贩卖交易繁盛,来自非洲大地各个角落的许多黑人被贩卖到美洲,绝大部分充当奴隶。黑人音乐文化遗风,被白人殖民者装船远渡而受重创。在奴隶制度的压迫下,他们顽强地保持着自己的文化。象舞蹈、音乐、神话、宗教仪式等,"自由修改"词、节奏、风格的趋势愈加明显。这是他们民族文化中最宝贵的东西,并经过代代相传,其核心部分终于存留下来了。在奴隶得到解放后,这些传统文化有了新的发展,甚至最终给居于统治地位的白人的音乐文化,打上了特殊的印记。 (二)、宽容的文化氛围非洲音乐中传统的节奏和即兴是黑人音乐的根源。在黑人音乐全面影响美国主流音乐以前,美国白人音乐也是不讲究旋律的。再往前推一步,非洲音乐也并不是只讲究节奏的。正宗的非洲音乐对旋律的讲究至少不亚于节奏。美国黑人音乐中节奏的特殊地位是和早期白人奴隶主不准黑人唱歌弹琴有关的。黑人音乐在初到美洲时受到了极大的限制,可总有一个地方能够容纳非洲来的音乐。新奥尔良正好处在这么一个政治地位上。于是决定了它必然成为爵士乐的发源地。 在19世纪末到20世纪初,新奥尔良恐怕是全美国最不美国化的城市。它座落在密西西比河拐入墨西哥湾的河口以内80英里处,混合着西班牙、法国、诺瓦斯科夏(加拿大省名)和非洲等若干不同文化,其氛围十分开放、宽容、自由、温馨。新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。在整个18世纪,新奥尔良是一个独一无二的"三不管"自由地区:法国和西班牙将新奥尔良转让来转让去,这个州就是这样与管辖主若即若离,殖民者似乎时有时无,直到1803年,被美国政府以700万美元买下。此地的法国、西班牙统治松散不力,许多非洲黑人从美国南方和加勒比群岛的奴隶主手下逃到新奥尔良,享受优越独特?quot;自由黑人"身份,在求职、进修、与当地白人交往、通婚等方面都不受限制。由于通婚很普遍,他们的后代形成此地一个优势阶级"克里奥耳人"(双亲中一方是非洲人,一方是西班牙或法国人)。19世纪初叶,克里奥耳人享受的社会地位几乎和白人的一样。 18世纪末,19世纪初,统治着新奥尔良的法国人一贯重视音乐,尤其热衷搞音乐节和艺术节。法国、西班牙商人和专业人员从故国携带钢琴、小提琴、小号等乐器,以便来到新奥尔良以后还能继续欣赏巴赫、莫扎特和舒伯特的乐曲。商人家庭多因有钱、受过教育,受过欧洲音乐作品熏陶,通晓乐器,保留传统已成习俗。后来当地人(非洲人和克里奥尔)与他们自由往来并受其音乐艺术熏陶。有钱人送天赋颇高的克里奥尔人去欧洲音乐院校,而他们小时侯在当时所受的却是正宗的黑人音乐。于是19世纪末,大批黑人、克里奥尔音乐人在唱歌剧、奏弦乐,给他们的赞助人和自己以文化激励。西城大部分就是贫穷的黑人,他们之中的乐师却连乐谱也不认识。在这种情况下,新奥尔良产生了两种不同的音乐团体,一种是"端坐乐队",在闹市演出;另一种是"即兴乐队",通常走街串巷。在1894年,突然这种格局发生了巨大变化。政府发布了"种族隔离政策",将黑人和克里奥尔人全部归结成了有色人种而实行隔离。地位的降低引起了克里奥尔人的极大不满,并在客观上使他们与当地黑人更为亲密。于是,受过良好音乐教育的克里奥尔人和黑人乐师们坐在一起研究和探讨音乐,让克里奥尔人放弃了原先优美舒缓的欧洲风格音乐,而故意将音乐加大拉长,以此抗议歧视。新奥尔良早先曾有过极大的社会自由,几种不同文化传统曾自由融合,来自不同国家的人一度自由交往、通婚,也把各自的音乐揉进新奥尔良音乐之中,使之成为一种与美国主流音乐传统迥异的混合音乐。

二、爵士乐的直接起源 (一)、BLUES蓝调 Blues音乐是居住在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造出的音乐风格。它发源于密西西比河的三角洲地带,起源于20世纪初。1865年,美国内战宣告结束,往日的奴隶们获得了人生自由,他们多数是文盲,生活依然贫困潦倒,唯有靠自己故土培植出的音乐自娱自乐,是采摘棉花或筑路时唱的劳动号子和农田歌曲。美国南方黑人与白人早期在音乐方面接触的重要媒介之一--宗教音乐,对黑人在音乐上的影响形成了黑人圣歌。在教堂里黑人牧师们在宗教集会上借用了英国的惯例,即采用一种名为"领唱"的技巧反复吟诵两到三行圣诗,以此解决人们不识字的问题。最初这种音乐完全以人声吟诵,极少有乐器伴奏。后来这种音乐(至少对欧洲人)逐渐变得很正式,被精心记录和正规演奏。信教黑人(常不懂玄奥的神学及圣人风度)也奏乐,但远不及神父的期盼。黑人教堂中的圣歌(这样严肃的音乐)中出现了许多非洲音乐名词。牧师也取代了西非音乐的领唱,唱法充满活力、令人兴奋、与众不同。颂唱、应答合唱拖长变幻音节与模式,加上喊叫和感情自然迸发,都是黑人献给上帝的独特补充。 到了19世纪下半叶,黑人音乐风格得到了快速的发展,并同样受到非洲音乐以及美国白人从欧洲带来的传统音乐的影响,劳动歌曲和黑人圣歌相结合,形成了一种独特的黑人民歌风格,从这种风格中便产生出了Blues 音乐。Blues最初主要是人声的叙述,后来才加上了乐器的伴奏。主要是吉他或者班卓琴之类的单一乐曲伴奏,器乐旋律与歌曲者交替表演。它节奏特色明显,而且保留了集体即兴创作的特点。在上个世纪的20年代,Blues以它个性的歌词、和谐的节奏以及忧郁的旋律逐渐兴起。Blues音乐中包含了很多诗一样的语言,并且不断反复,然后以决定性的一行结束。旋律的进行以和弦为基础,以I 、IV、V级的3个和弦为主要和弦,12小节为一模式反复。旋律中,将主调上的第3、5、7级音降半音,使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击。布鲁斯作为一种音乐形式看似简单,实际可以有几乎是无穷的变化,一直是任何一种爵士乐的重要组成部分,而且它成功地保持了自身独立的存在。可以说如�挥胁悸乘咕筒豢赡苡薪裉斓木羰坷帧⒁」隼帧?br> Blues 的产生是为了抒发演唱者的个人情感,它为音乐家提供了表白自身的机会;他们的爱、他们的恨、他们对工作的态度等等。著名Blues 歌手布朗 . 麦克斯就曾说过:"我从不运用想象力写曲子,Blues 不是梦,是现实。"Blues 本身就是一种精神状态,是平民的音乐,是来自生活的音乐。而它的内容则包括许多,而且是最真实的反映;对不公正的反抗、对美好对爱情的向往、挫折后的失意、情感上的宣泄;同时幽默、自嘲,有时甚至是流着眼泪的笑。 (二)、拉格泰姆REGTIME音乐本身没有肤色之辨。吟游歌手们最初都是白人,他们将脸孔涂黑,模仿并歪曲黑人音乐家的演唱;乡村里贫困的白人乐手表演的,往往来自欧洲的民谣和说法语的路易斯安娜洲所独有的移民音乐。内战结束,士兵们复员回乡后,有价格相当便宜的军乐可利用;器乐演奏行列的壮大意味着黑人音乐的日臻成熟。当美国的黑人搬到像孟菲斯和新奥尔良这样的都市中去打工的时候,布鲁斯逐渐转为更大程度上的都市化现象。1900年,由于音乐互相融合渗透,在新奥尔良形成所谓"新奥尔良派"音乐,人称"褴褛时代音乐"。正如前述,许多黑人、克里奥耳音乐人极具天赋。他们弹欧洲古典乐及民谣的技术炉火纯青。当时,这些乐师在妓院和酒馆里为一群没有多少音乐素养的人演奏。在昏天酒地的气氛中,他们开始修改曲目,甚至自己创作。钢琴师们自由发挥,随意偏离固定格式。他们这样做几乎是出于报复。由于演出时间长(从傍晚到次日清晨),可以想象这些松垮的艺人对严格的音乐标准感到厌烦,开始创作新的有趣的韵律格式。由"妓院"钢琴师发展出两种模式--"切分法"和"即兴法",它们是"褴时代音乐"标志。在20世纪初,"褴褛时代音乐"已显现严格的新奥尔良爵士前身音乐的主要风格。"褴褛时代音乐"开始明确作为钢琴演奏的独特风格。它复杂、节奏严格,"引用"古典乐润饰。然而,在底层黑人和克里奥尔钢琴师手中古典音乐中严格的节拍被打乱,甚至完全崩溃,显得有点恶作剧,"ragtime"由此得名。拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年,但它的时问跨度实际很大,影响绵延不绝。

三、爵士乐的发展进程早期的爵士乐(1900-1917)曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调;有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调;还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢,但它的独奏旋律线的变音转调较多,起音不一,音高变化也不少。早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器,有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中,乐队的每个成员,不仅仅是独奏者,都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作,只受和弦进行结构的限制,这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出,它就是"爵士乐"。 1917年,"JAZZ"这个名词首次出现在人们的生活中;这一年被人们公认为"爵士元年"。从这时候开始,爵士,这种黑人古典音乐逐渐影响了整个现代流行音乐世界。在当时,爵士音乐更多地是充当一种跳舞性的伴奏音乐,还没有能够形成很好的理论,也没有跨入大雅之堂。但是随着时间的不断推移,爵士音乐家靠着自己不断地摸索和创新,形成了一整套的爵士音乐理论,开创了大大小小十几种爵士音乐分类和风格,逐渐成为了世界音乐殿堂中的主流音乐。甚至有一些预言家说:"今后50年,音乐将变革得更为彻底,大体分为非即兴和即兴两大类音乐,而后者的代表将是爵士音乐。" 总有一个群体在不断的推翻另一个群体,因此使爵士乐充满了活力。 二十世纪初直至第一次世界大战之前,爵士乐仍然是新奥尔良地区性的音乐形式。二十年代因爵士乐的流行被称为"爵士时代",一支完全由白人组成的著名的"始创迪克西兰爵士乐队"的集体即兴演奏风靡一时。而新奥尔良爵士乐的典范--"克里奥尔人爵士乐队"及其灵魂人物短号手路易斯.阿姆斯特朗的出现改写了爵士乐,集体合奏开始向个人独奏的形式过渡。到了三、四十年代,以单簧管演奏家本尼.古德曼(Benny Goodman)为首,爵士乐进入了"大乐队时代"也称"摇摆时代",这一时期爵士乐已成为流行音乐的主流,以伴舞为主要职能?quot;摇摆乐"盛极一时。摇摆乐打破了原有的乐队编制,它将乐队人数增至二三十人,并将乐队分成萨克斯管、�堋⒋蚧骼秩�糠职雌籽葑唷M�绷硪恍┚羰恳帐跫颐抢�门分蘧�湟衾钟?quot;蓝调"相结合,创造出"经典蓝调"。 四十年代中期,摇摆乐从音乐上开始缺少新意,有时为了取悦白人听众而失去了艺术个性。因此,以萨克斯演奏家查理.帕克(Charlie Parker)为代表的比博普爵士可谓是爵士乐的疯狂时期。爵士音乐家冲破"摇摆乐"的束缚,创造了以忽略旋律,追求高超的以复杂和弦演奏为基础的即兴演奏的"比波普"爵士乐。爵士乐不再适于伴舞,演变成艺术音乐,退出流行舞台。同时各种形式的爵士乐依旧发展,"迪克西兰"复活,爵士乐受到前所未有的重视。五、六十年代,爵士乐进入了一个自由创作时期,被称作"比波普"和"酷"时代。 "比波普"爵士乐成为爵士乐的主流,但同时强调舒缓的音色和编曲的"冷爵士"亦称"酷"在西海岸兴起,五十年代中期达到顶峰。而另一种强调灵歌成分的"硬比波普"在影响上超越了"比波普"。随后,结合非洲原始音乐和欧洲现代主义元素无调性的"自由爵士乐"却真正推动了爵士乐的进步,将观众甩在了身后。六十年代,"自由爵士乐"达到顶峰。"波普"、"比波普"、"酷"和"自由"派的相继出现为现代音乐的进一步"演化、试验和想象"铺平了道路。而后爵士乐该往哪儿走?这便是"否定-创新"中的第二个概念--创新。否定本身就意味着创新,然而创新即意味着又将有新的现象出现。爵士乐吸取了美国音乐中的所有营养后开始播撒全球。然而当它经过拉丁美洲时,这一刹那又为爵士乐增添了一页光辉历史。拉丁爵士--当今最受欢迎的拉丁音乐和流行音乐的最高统帅爵士乐撞到了一起擦出的火花都是带光环的。以节奏闻名的拉丁音乐加上还是以节奏为特色的爵士乐,因此,拉丁爵士的节奏性是任何音乐都不能与其相比的。特别是巴西的波萨诺瓦(Bossa Nova)将拉丁节奏曼波(Manbo)与冷爵士相结合,打击乐的色彩在切分节奏的衬托下一幅幅崭新的画面使人眼花缭乱。 七、八十年代,爵士乐进入"融合派爵士乐"时代,音乐家将摇滚乐、节奏、布鲁斯、芬克式低音以及流行音乐引入爵士乐,并在演奏中加入电子合成乐器。八十年代,爵士乐开始不断回归。 "融合"是为主流,而另一些音乐家重新回到波普以前去寻找灵感,"新波普"诞生。九十年代,"新经典主义者"创造出压抑的、节制的、经济的音乐,游离于爵士浪漫主义传统之外。 今天,几乎每一种爵士风格都活跃在舞台上。具有强烈持久生命力的爵士乐经过百年的演变和融合,早已突破了种族和国界的限制,在世界各地广为流传。今天,爵士乐的主要舞台也从美国移向了欧洲并扩展至世界各地,成为一种世界性的音乐,为各国音乐爱好者所喜爱。

四、爵士乐的各大流派 尽管现代的唱片界有时将爵士乐划分为传统爵士乐和现代爵士乐两类,其中传统爵士乐是指采用了4/4拍的行进性的管乐队演出相关工作的爵士乐,而现代爵士乐是指采用了贝斯演奏跳舞音乐的爵士乐。这种划分有时会显得毫无疑义,如果那这种标准来衡量,人们几乎无法判断肯尼 . 金是否比比赛希尔 . 泰勒的音乐更应属于现代爵士乐。其实传统和现代这两个相关的概念予以划分爵士乐的种类并不确切,这造成了一些既具现代风格又包含了传统风格的优秀作品无法分类的问题,因为爵士乐将近一百年的发展历程是连续不断的。各种风格流派也有其相互的联系,大体来说可以划分为以下十九种风格:

时间风格代表人物

1910'-1920'

Ragtime(拉格泰姆爵士)Carlos Barbosa-LimaDick BakerBurt Bales

1910'-1930'

New Orleans(新奥尔良爵士)Louis ArmstrongBig Bill BissonnetteHenry "Red" Allen

1920'-1930'

Classic(古典爵士)Coleman HawkinsFats WallerLouis Armstrong

1920'-1930'

Dixieland(迪克西兰爵士)Eddie CondonBob CrosbyCharlie Teagarden

1915-1960'

Standards(主流爵士乐)Bing CrosbyDee Dee BridgewaterNina Simone

1920'-1940'

Cool Jazz(冷爵士或西海岸爵士)Dave BrubeckLester YoungStan Getz

1930'-1940'

BigBand(大乐队)Frank SinatraBenny GoodmanDuke Ellington

1940'-1960'

Swing(摇摆乐)Count BasieLouis ArmstrongElla Fitzgerald

1940'

Bop(波普)Charles MingusOscar PetersonSonny Rollins

1940'

Latin(拉丁爵士)Tito PuenteRay BarrettoThelonious Monk

1940'-

Brazilian Jazz(巴西爵士乐)Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf

1950'

Avant-Garde (前卫爵士)Cecil TaylorCharlie HadenMax Roach

1950'-

Post-Bop or Mainstream Jazz(后波普爵士或现代主流爵士)Elvin JonesGeorge BensonGil Evans

1950'-1960'

Third Stream(第三流派爵士)John LewisTeo MaceroGunther Schuller

1950'-1960'

Hard Bop(硬波普爵士)Art BlakeyElvin JonesThelonious Monk

1960'-

Free Jazz(自由爵士)Chick CoreaJohn ColtraneOrneete Coleman

1960'-

Fusion(融合爵士)Miles DavisMarvin GayeWayne Shorter

1970'-

Crossover Jazz(交叉风格爵士)Bill EvansGeorge BensonQuincy Jones

Vocal Jazz(人声爵士)Billie HolidayElla FitzgeraldGeorge Gershwin

下面我们将介绍几种比较有影响的爵士风格。

Swing 当新奥尔良爵士乐已经创造了即兴演奏的合奏之时,爵士乐在二十年代在美国社会逐渐流行起来,同时对于爵士乐的需要要求增加更多的舞蹈乐队。Swing 如果当成一个形容词,它通常是指一种感觉,一种对爵士乐的切分音的感觉, 因为重拍与古典乐不同而产生的一种swing 的感觉。 这种感觉, 通常成为判断一个音乐是不是爵士乐的标准之一. 所以, 大家有时会听到这种话: Keith Jarrett 的东西还不够swing, 或是说, swing 不起来等等, 即是将Swing 变成一种判断的标准。三十年代的大乐团型式的那种东西,通常被称为swing, 或有人译为摇摆乐, 而三十年代同时也被称为 Swing-era。(也有人称三十年代中期到一九四六年为止。) 若说二十年代以前是爵士乐的草创期,则三十年代是爵士乐的流行期。三十年代初期,因为流行工业(如留声机、广播以及唱片)的发展,爵士乐的重镇从芝加哥移转到纽约,配合着为了从第一次世界大战后的经济萧条中站起来的美国消费界,爵士乐手一方面失去单独(或是小编制)表演的机会,一方面却也使得大乐团的表演型式更加流行。三十年代中期后,摇摆乐大乐团已是流行音乐中的大将,一直到四十年代中期,这股风潮才开始随着二次世界大占的终战退去。这段由摇摆乐大乐团独领流行乐界风骚的时期,就是一般所称的:摇摆时代(Swing-era)。在这一段爵士乐的黄金时期里,收音机传出的尽是摇摆乐大乐团的演奏录音,酒吧、舞场及其他表演场地里,尽是大乐团的天下,就在他们的乐音的搅拌之下,美国人民用狂舞来度过他们的经济低潮、工潮与世界大战。Count Basie的乐团可是一个极佳的乐团,除了有很强的节奏之外,特别是他团里出了许多著名的乐手,Count Basie的音乐及乐手,同时也成为日后bebop的一个前哨,甚至有人认为他才是真正的波普之父(The real father of bebop.)

Bebop "Bebop"一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节(或无意义的狂喊乱叫),是一种激进的新的音乐风格。波普爵士乐从四十年代初期开始逐步发展,在1945年左右迅速发展成熟。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的"长一短"音型突然结束,而这个节奏又常被哼唱成"里波普"或"比波普"。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名-《咸花生Bebop》。 Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组,还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。 Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱,这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次(如果是12小节的布鲁斯则演奏两次),接下来是在节奏组(一般是钢琴、低音提琴和鼓)伴奏下的几段即兴独奏叠句,再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型(包括变化音型),以保持乐曲的结构。

Cool Jazz 冷爵士乐是在四十年代后期和五十年代,从波晋爵士乐直接演化而成的,这种音乐风格基本上是波普爵士乐和摇摆乐某些被忽视和抛弃的特点结合的产物。不和谐的声音变得流畅自然,曲调更为柔和,编曲重新受到重视,节奏部乐器的演奏也更为和谐,有人称酷派, 有人称凉派, 主要是异于bebop的hot, 而较冷静的一种演奏风格。 五十年代早期, 有人受不了bebop 的那种压力, 便将 bebop 小小的改了一些, 将其中的那些快速的和弦变化和吹奏速度放慢一些. 或者, 有的放慢很多。主要特色是不像bebop 一样有棱有角, 是较冷静而柔顺的一种乐风. 一般是以西岸为根据地. 所谓west-coast jazz 一般是指cool.。 若要谈起源头,应该是1949年, Miles Davis 和 Gil Evnas 合作的- Birth of the Cool( Capitol), 但是跟上这种乐风的, 却大部分是以西岸的乐手为多。一般来说, 酷派的生命很短, 在五十年代成为一种主流的演奏方式, 但是很快的, 又被Hard-bop抢去风头, 但是酷派的一些元素, 还是会在一些乐手的东西里面跑出来。 Miles Davis 49-50年前段, Lee Konitz, 60年以前的Stan Getz的东西就算是酷, 可以参考。

Free 60年代是一个信仰破灭的黑暗时期,人们借助艺术来逃避对社会责任的监督和对自身欲望的追求,在所有的艺术形式中,爵士乐可能是一名最不羁的醉汉了。摇摆、冷却、坚硬和即兴,促使这种音乐的发展轨迹已无踪可觅,人们根本摸不清它明天会扑向何处。就在这种无所顾忌的放任自流里,自由爵士应运而生了。这种全新的音乐刚一出现,就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。 自由爵士不同于以往爵士乐,在和声、旋律方面没有太多的限制,演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念,节拍、对称性被统统打乱,同时,它也强调音乐本身的强度与张力,加入大量的不谐和音,把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起,采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器,因此,有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。 自由爵士乐对60代爵士乐的发展起到了深远的影响。

Fusion Fusion是融合的意思, 所以, 其实任何一种音乐元素被加入, 都可以算是Fusion, 但是一般来说, fusoin是指涉:jazz-rock fusion, 其它如巴西音乐加入会称:bossanova, 俄国音乐会被称Russia- jazz. 六十年代, 爵士的风光不再, 三十年代转开收音机收到的爵士乐, 在六十年代已被摇滚乐取代, 市场决定了乐手的生命, 所以, 面对商业压力, Miles Davis 开始在爵士乐里加入了摇滚乐的元素。摇滚乐和爵士乐都是来源于相同的根目录: 蓝调, 福音,工作歌与r&b,所以, 将这两个东西合起来的过程, 还算自然.。至少在音乐内容上没有太大的翻转。 六十年代中期, 老麦的第二个五重奏的节奏组: Tony Williams就已经开始在他的鼓声中加入了一些摇滚的节奏, 到了六十年代中后, 许多人开始加入这个潮流, 著名的包括: Gary Burton, Larry Coryell, Herbie Hancock, Keith Jarrett, Freddie Hubbard, Charles Lloyd, Don Ellis 等等。 起带头作用的重要的专辑是老麦的三张: Filles De Kilimanjaro, In a Silent Way, 和BitchesBrew, 其中带入了摇滚乐的鼓法, bass的弹法亦有了改变, 电吉它及Keyboard 也加入了jazz舞台. 这几张专辑的阵容包括Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin,Tony Williams 和 Larry Young, 这些人日后也都组了自己的Fusion乐团, 像Headhunter, Reture to Forever 等等。另外Joe Zawinul和 Wayne Shorter 合组的Weather Report也在音乐中加入了中欧的民谣音乐。 总之, Fusion代表了市场对爵士乐的迫害所找寻的出路, 吓走了许多基本教义派的爵士迷, 却也吸引了一些当时的新一代加入爵士聆听行列。

五、爵士乐的特点 爵士乐的特点之一是变化多端,首先是风格多样,100年来它几乎总在变,各类风格的爵士乐粗线条说有十几种,细线条的数不清。这也是流行音乐的一个属性。其次是演奏过程中的变幻,即兴演奏是它的典型特征。爵士音乐一般在大家的合奏中有一个主题的框架,然后又在一个固定的和弦变化之下发挥每一个乐手即兴的演奏水平,他们只有一个主旋律的总谱

回答2:

我是一个爵士爱好者
很高兴认识这么多爵士同好!
我最喜欢的是Tony bennett和Louis Armstrong还有一些爵士钢琴演奏家
我有一些Jazz ladies 的mp3到时候我可以传给你,其中可能就有你想要的爵士女歌手的歌
MSN:pygmalionhl@hotmail.com
QQ:38006466

1.爵士乐概述
在不到一个世纪的时间内,这种名叫爵士乐,具有显著美国特色的音乐从默默无闻、起源于民间的音乐发展成为美国本土产生的最有份量的艺术种类。如今在全世界几乎每个角落都有人聆听和演奏它,爵士乐以多种形式呈现出繁荣景象,从根源布鲁斯、拉格泰姆(Ragtime),经过新奥尔良爵士乐到Dixieland爵士乐、摇摆乐、主流爵士、比波普、现代爵士到自由爵士及电子爵士。令人惊异的不是爵士乐以如此众多的形式出现,而在于其每一种形式都相当重要,都保持了自己的特色及独具的魅力而流传至今。如果要欣赏各种爵士乐,体会个中种种乐趣,就不能不需要拥有开放的态度,兼容并听。

寻根溯源

爵士乐由民歌发展而来,有多种源头,不易仔细考证。但它的根肯定是由黑人奴隶从非洲带来的。他们从各自的古老文化传统中撕裂开来,将民歌发展成为以歌曲讲故事的一种新的交流形式。美洲的黑人音乐保存了大量非洲特色,节奏特色明显,而且保留了集体即兴创作的特点。这种传统与新居住地的音乐一一大部分是声乐——结合起来,结果诞生的不仅仅是一种新的声音而是一种全新的音乐表达形式。

最有名的非洲—美洲音乐是宗教性的。这些优美动人的歌曲白人也听,不过比乡村黑人教堂里演唱的这类歌曲多一分上流社会的味道。今天人们所知道的福音音乐(gospel music)更准确地说是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感,而不是对本世纪起初十年中著名的Fisk Jubilee Singers的音乐中宗教性的继承。

其它早期的音乐形式包括可以追溯到蓄奴制时代的做工歌曲、儿歌及舞曲,这些都成为重要的音乐遗产,特别要考虑到在当时的制度下,音乐活动受到相当严格的限制。

布鲁斯的诞生

在蓄奴制被废,黑人奴隶得到解放以后,非洲—美洲音乐的发展很快。军乐团所弃用的乐器加上新获得的迁徙自由形成了爵士乐的根底:铜管乐、舞曲、布鲁斯。

布鲁斯作为一种音乐形式看似简单,实际可以有几乎是无穷的变化,一直是任何一种爵士乐的重要组成部分,而且它成功地保持了自身独立的存在。可以说如果没有布鲁斯就不可能有今天的摇滚乐。简单说明一般布鲁斯的特点就是:它以每八或十二小节为一个乐段的音乐所组成,歌词紧密,它的"忧郁(蓝色)"特色产生的原因是将音阶中的"mi"音及"si"音降了半音。实际上,布鲁斯是作为与宗教音乐相对应的一种世俗音乐形式。

铜管乐队和拉格泰姆

到了十九世纪八十年代后期,在美国绝大多数南部城市内,都出现了黑人铜管乐队、舞曲乐队及音乐会乐队。与此同时,美国北部的黑人音乐倾向于欧陆风格。在该时期,拉格泰姆(Ragtime)开始形成。虽然拉格泰姆主要是在钢琴上弹奏,但是一些乐队也开始演奏它。拉格泰姆的黄金时代大约是在1898年到1908年,但它的时问跨度实际很大,影响绵延不绝。最近,它又被发掘出来,新的"拉格泰姆"特征是旋律迷人,大量使用切分音,但它的布鲁斯因素几乎荡然无存。拉格泰姆与早期爵士乐联系密切,但可以肯定的是拉格泰姆节奏较为稳定。
拉格泰姆最有名的作曲家是Scott Joplin(1868-1917)。其他有名的拉格泰姆大师包括James Scott、Louis Chauvink Eubie Blake(1883-1983)、Joseph Lamb等,其中后者虽然是白人,然而他完全吸收了这种音乐形式的内涵。

进入爵士时代

拉格泰姆,特别是淡化爵士色彩的通俗风格,其娱乐对象是中产阶级,为正统音乐人士所不喜。在十九世纪最后十年内,爵士音乐逐渐形成,但当时还不叫"爵士"(Jazz),它最初被称为Jass,首先出现在美国南部城市黑人工人居住区内。和拉格泰姆一样,爵士乐最初也是作为舞曲出现的。最早成为早期爵士乐同义词的城市是新奥尔良,这种说法有几分真实,但也有几分夸大。

新奥尔良:爵士乐的摇篮

新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。在这里,对爵士乐早期的历史研究及记录比在其它地方都进行得更加深入。在1895年到1917年这一段时间里,新奥尔良的爵士乐比起其它地方可能是种类更多、更好,但这绝不意味着新奥尔良是产生爵士乐唯一的一个地方。在每一个有相当数量黑人聚居的美国南部城市所产生的音乐都应被视为是早期爵士乐的一种。如在孟菲斯就出现了W.C.Handy(1873-1958)这样一位布鲁斯作曲家和搜集者。其它城市还有亚特兰大、巴尔的摩等。

当时的新奥尔良显得卓而不群得益于其非常开放及自由的社会氛围。不同信仰及不同种族的人可以相互联络,因此在这种容易沟通的环境下的音乐传统十分丰富,有法国的、西班牙的、爱尔兰的及非洲的。这样,新奥尔良成为孕育爵士乐的肥沃土壤就一点也不奇怪了。

如果说新奥尔良是爵士乐诞生之地的这种说法虽有夸大,但还不失几分真实的话,那种关于爵士乐是诞生于红灯区的说法则完全是胡说八道。虽然新奥尔良的确曾经使娼业合法化并因此产生了几座全美国最精致和有品味的"运动屋",但是在这些地方所演奏的音乐如果有也只是钢琴独奏而已。实际上,人们第一次听到爵士是在与此颇不相同的场所。

当时,新奥尔良引人注目的是有许多社团及兄弟会式的组织,它们大部分资助或雇佣一支乐队以在不同的场合——如室内或室外舞会、野餐会、商店开张仪式、生日或周年纪念派对上演奏。当然,演奏爵士乐也是葬礼队伍行进的一个特色,一直到今天还是这样。根据传统,乐队集合在教堂门口,演奏着庄严的进行曲及悲伤的圣歌,带领着葬礼队伍向着墓地徐徐前进。在回来的路上,人们的步伐加快,轻快的进行曲和拉格泰姆代替了挽歌。这种列队行进总是能吸引很多人观看,在爵士乐的发展上有重要意义。那些小号手及单簧管手们就是在此时一展其创造天分,而鼓手们也打出了富于节奏性的节拍,这成为使拍子变得"摇摆"的基础。

早期音乐家

在这些早期的乐队中乐手绝大多数是某种工匠(木匠、砌砖匠、裁缝等)或者是那些在周末或假期内作音乐演出并赚些小钱的干活人。

第一位新奥尔良的有名乐手,就是第一个爵士乐手是Buddy Bolden(1877-1931),他是一位理发师。他演奏短号并于十九世纪九十年代后期组成了一个乐队。他可能是第一个将根源、粗糙的布鲁斯与传统乐队音乐结合起来的人,这一步在爵士发展史上意义重大。

Bolden在Mardi Gras的一次游行演出时因精神病发作而被收治,余生在一家收留顽固患者的精神病院度过。据说他曾灌录了唱片,但迄今无法证实。我们所了解的他的音乐来自于另外一些在年轻时曾听过他演出的音乐家们的回忆。
Bunk Johnson(1889-1949)曾在Bolden的最后一支乐队里吹过第二短号。在他生命最后十年,人们之所以能对新奥尔良古典爵士乐重新产生兴趣,其中居功至伟的便是Bunk Johnson。他是一位杰出的讲故事能手,个性丰富多彩。新奥尔良的传奇故事大部分与他有关,但由他亲口讲出的基本上以夸张的成分居多。

许多人包括一些资深的爵士乐迷都相信早期的爵士音乐家都是自学成才的天才,认为他们既不识谱又没上过一天音乐课。这种说法浪漫有余,可是谬之千里。几乎所有早期爵士乐中重要人物至少在正统音乐基础方面都是很扎实的,有些造诣还要更深。

虽然如此,他们在乐器使用上的创新精神仍是独具的。最显著的例子要数Joseph O1iver(1885-1938)(绰号"国王"),他是个短号手及乐队领袖。他曾使用过能找到的各种东西,包括饮水杯、装沙子的桶、及浴缸塑料水塞之类的东西来使他的短号吹出多种音色变化。Freddie Keppard(1889-1933)是O1iver的主要竞争对手,Keppard不用弱音器材,这使他可以以作为新奥尔良最嘹亮的短号手而自豪。Koppard也是第一个将爵士乐带到美国其它地区的新奥尔良人,1915年,他与Original Creole管弦乐队合作在纽约表演轻歌舞剧。

爵士乐北上

到1912年左右,典型爵士乐队的乐器包括短号(或小号),长号、单簧管、吉他、低音提琴及鼓。(因为不便搬运,所以很少使用钢琴)。早期爵士现在给人的印象是班卓琴和大号比较突出,实际上爵士乐队开始使用它们还是后来几年的事,这是因为早期的录音技术还不能对声音更轻柔的吉他和低音提琴进行拾音。

在当时的爵士乐队中担任领奏的是短号,长号与其在低音区以滑音方式与其作和弦呼应,单簧管在两者中作修饰性的演奏。在爵士乐中最早作即兴演奏的是单簧管手,Sidney Bochet(1897—1959)就是其中一位。他不到十岁就是熟练的乐手了,后来他转向以演奏高音萨克斯为主。他也是第一个在国外扬名的爵士音乐家。1919年他访问了英格兰和法国,1927年他访问了莫斯科。

大多数的爵士乐手声称他们的音乐没有除了拉格泰姆(ragtime)及切分音之声(syncopated sounds)以外的其它名字。首先使用爵士(jazz)这个词的是长号手Tom Brown的乐队,他是来自于新奥尔良的一个白人。他于1915年在芝加哥使用了这个词。这个词的来源不明,其最初的含义一直是众说纷纭。

第一个使用“爵士”这个词并使之流传不衰的的乐队也是一支白人乐队,而且也来自新奥尔良,这就是“Original Dixieland爵士乐团” (OriginaI Dixieland Jass Band)。这个乐团在1917、1918年取得了巨大的成动,他们多少算是第一支灌录唱片的爵士乐队。这支乐队的成员绝大部分都曾在“老爸”Jack Laine(1873-1966)的乐队里干过。Jack Laine是一个鼓手,被认为是第一个白入爵士乐手。不管怎么说,在新奥尔良的音乐融合特征比较明显。有一些肤色不太黑的非裔美国人“混”进了白人乐队。

到了1917年,许多重要的爵士乐手离开了新奥尔良到北方去,这里面有白人也有黑人。其中的原因并不是新奥尔良臭名昭著的红灯区的关闭,简单地说不过是经济方面的原因。欧洲大战使美国的工业欣欣向荣,这些乐手和那几百万工人一样涌向北方,在那里有保障可以找到一个更好的工作。

小路易斯和“国王”Joseph O1iver

“国王”Joseph O1iver于1918年移居芝加哥。他原来在老家最好的一支乐队里,为填补他的空缺,他推荐了18岁的Louis Armstrong(路易斯?阿姆斯特朗)——比他年长的人都叫他“小路易斯”,他生于1901年8月4日,家境在新奥尔良的黑人中也算是赤贫。他最早的音乐活动是组织了一个男孩四重唱小组在街上唱歌讨钱。后来他卖过煤炭也在防洪堤上干过。

louis Armstrong的第一次音乐课是在感化院中上的,他是因为于1913年新年除夕用一只旧手枪向大街上放空包弹而被送进感化院中度过18个月。当他从感化院中出来的时候,他的音乐水平已足够在市里的乐队中找份活。第一个发现这个年轻人的音乐天分的成名音乐家是“国王”Joseph Oliver,他给路易斯上音乐课并被其崇拜。

Creo1e爵士乐团

当奥里佛邀请阿姆斯特朗加入他在芝加哥的乐队时,芝如哥成已为新的世界爵士中心。虽然纽约是“Original Dixieland爵士乐团”(ODJB)取得巨大成功的地方,由他们引起的随乐跳舞的风气一时之兴,但是在纽约的乐队好像只继承了ODJB的杂耍风格,而没有学到其音乐上的精髓。他们只是模仿而已(第一个也是最成功的是Ted Lewis)。当时在纽约的南部乐手也少得可怜,所以不能带来新奥尔良的纯正风格。

但在芝加哥情况则有所不同,其中有大量来自新奥尔良的乐手。禁酒令刚刚废除,这所城市的夜生活可谓丰富多彩。在这里比别的乐队都好一大截子的是“国王”Joseph Oliver的“Creo1e爵士乐团”(Creo1e Jazz Band),特别是在Louis Armstrong于1922年来芝加哥以后。这支乐团代表了新奥尔良古典爵士合奏风格的最后辉煌,也预兆着新的风格的开始。除了这两个短号手,乐团中另外的明星包括Dodds兄弟,即单簧管手Johnny Dodds(1892—1940)和鼓手Baby Dodds(1898-1959)。Baby Dodds给爵士乐的鼓节奏的微妙及内在动力提高到一个新的层次,与另一个新奥尔良出生的鼓手Zutty Singleton(1897—1975)一起,他给爵士鼓演奏带来了“摇摆”的概念。但是摇摆乐的“传教士”毫无疑问仍是Louis Armstrong。

第一张爵士乐唱片

“Creo1e爵士乐团”于1923年开始灌制唱片,虽然这不是第一支灌制唱片的新奥尔良黑人乐团,但却是最好。他们的唱片在全国广为发行,乐团对于其它乐手的影响也是巨大的。在此两年前,长号手Kid Ory(1886—1973)的“阳光管弦乐团”(Sunshine Orchestra)成为第一个灌制爵士乐唱片的乐团,但是他们是在一家不起眼的加利福尼亚公司灌制的,该公司不久破产,他们的唱片因此很少被人听到。

也是在1923年,“新舆尔良节奏之王”(New Orleans Rhythm Kings)——一支活跃在芝加哥的白人乐团开始录制唱片。这支乐团在音乐上远比以前的“Original Dixieland爵士乐团”复杂。在一次录音中,他们聘用了来自新奥尔良的著名的钢琴手兼作曲家绰号为“果冻卷”(Jelly Roll)的Ferdinand Morton。同年,Ferdinand Morton也开始了自已唱片的录制。

“果冻卷”Ferdinand Morton

Ferdinand Morton在1938年为美国国会图书馆所录制的一系列唱片成为了解早期爵士的宝藏。他非常复杂,此人自负、野心勃勃,夸张一点说,他还是个骗子、皮条客、赌徒,但他同时也是一位杰出的钢琴手和作曲家。他的最大才能可能在于组织乐队及编曲。他于1926年到1928年率他的“红辣椒”乐团(Red Hot Peppers)录制的一系列唱片连同Josheph O1iver的唱片可以说是新奥尔良传统爵士乐最辉煌时期的见证,是爵士乐伟大成就的一部分。

Louis Armstrong在纽约以及大乐团的诞生

对于富于创造力的天才Louis Armstrong来说,传统无疑就像一道紧箍咒。在1924年后期他接受了纽约最具声望的黑人乐队领袖Fletcher Henderson(1897—1952)的邀请,辞别了Joseph O1iver。Fletcher Henderson的乐团在纽约位于百者汇的Roseland舞场演出,这是第一个在爵士乐史上具有重要意义的大乐团。

第一支大乐团从当时的标准舞乐团发展而来,组成是由三把小号、一把长号、三支萨克斯、其它簧片乐器均为两件,钢琴、班卓琴、低音乐器(低音提琴或低音铜号)、鼓。这些乐团都是依谱演奏(编曲谱或“曲表”),但是也给予作为重头人物的独奏乐手以创造发挥的自由,可以不依曲谱演奏。

虽然Fletcher Henderson的乐团在当时一枝独秀,但在Louis Armstrong加入时,乐团还是在节奏上显得不大平滑、灵活性不够。录音中他那流畅优雅的独奏听起来就像一颗钻石放在了锡座上。

Louis Armstrong的风格特点在当时就己发展成熟。他第一个在小号上奏出了极动听、极吸引人的音乐。他在曲调上的创造性发挥令人耳目一新但又合乎逻辑。在节奏上表现出的平衡性(爵士乐手称为“点儿”—time)使其他乐手的演奏与他相比无不显得僵硬笨拙。

他对于其他乐手的影响是巨大的,但是Fletcher Henderson并没有给他以许多的独奏表现机会,这可能是他认为他为之演奏的白入舞客尚没有准备接受Louis Armstrong的创新风格。在乐团中呆的这一年中,Louis Armstrong从风格上改造了这只乐队,后来最终全美国的大乐团的风格都因其而得到改造。

F1etcher Henderson乐队的主要编曲者Don Redman(1900-1964)听到了Louis Armstrong的吹奏并记下了谱。另一位萨克斯手Co1eman Hawkins在与Louis Armstrong合作后也发展了自己的萨克斯吹奏风格,从而成为未来十年中的萨克斯演奏指路人。

在纽约的时候,Louis Armstrong也曾与Sidney Bechet,Bessie Smith(1894-1937)合作录过唱片,后者是最伟大的布鲁斯歌手。1925年,Louis Armstrong回到芝加哥,开始以自己的名义和一个小乐队“热力五入组”(Hot Five)录制唱片,乐队成员包括他的妻子——弹钢琴的Lil Hardin Armstrong(1899—1971),长号手Kid Ory1,单簧管手Johnny Dodds,吉他手Johnny St.Cyr.。他们的第一张唱片着力突出了比Louis Armstrong个人,首先是在美国,然后是全世界,成为在乐手中引起轰动的专辑。可以说如果没有电唱机,爵士乐的传播乃至其全面的发展都是不可能的。

“国王”路易斯

“热力五人组”(The Hot Five)严格地说是个录音乐队。因为对于每首作品,路易斯?阿姆斯特朗在不同的场合下都演奏过,其中包括在剧院的乐池中。他的技艺日臻精进,终于在1927年,他从吹短号转而吹更嘹亮的小号。他偶尔也会一展他那独一无二的豆沙歌喉,但只是求其新奇而己。1929年他的歌喉的流潜质一露峥嵘,当时他回到纽约参加了一出音乐剧的演出,其中演唱了著名的歌曲“Ain't Misbehaving”(“不是瞎胡闹”),而且演奏了钢琴手“胖子”Thomas Waller(1904—1943)所写的著名曲子。他因此成爵士乐中的器乐家、歌手、表演家。

路易斯?阿姆斯特朗艺术上的顶峰是在随后的一年与另一位钢琴手Earl Hines(1903—1983)合作时达到的。“老爸”Earl Hines是第一个与路易斯?阿姆斯特朗水平相当的合作者,两人在灵感上互相激励。由于两人的合作而产生了几首真正的爵士乐代表作,包括《West End Blues》及二重奏《Weatherbird》。

爵士时代

路易斯在二十年代的乐坛上一时风头无二。实际上,他一手促成了当时及以后的爵士音乐语汇的形成。但是爵士时代的大部分爵士乐都是由那些年轻人用班卓琴及萨克斯奏出的活泼舞曲,他们对于布鲁斯或路易斯?阿姆斯特朗的音乐理解甚少。尽管如故,这个快乐舞曲时代所产生的音乐中,还是有令人吃惊的一部分含有真正的爵士元素。

Paul Whiteman——爵士之王?

作为乐队领袖,最有名的当属Paul Whiteman(1890—1967)他被称为爵士之王。但颇有讽刺意味的是,他的第一个取得成功的乐团根本不演奏爵士乐,他后来领导的乐团演奏爵士乐也少得可怜。不过这些乐队演奏的舞曲极其精彩。由于Paul Whiteman出手阔绰,吸引了一些最好的白人乐手为他的乐队作曲及演奏。从1926年起,Paul Whiteman有时给一些受爵士乐影响的乐手一些独奏机会,这些人有短号手Red Nicho1s、小提琴手Joe Venuti、吉他手Eddie Lang(1904—1933)、“Dorsey兄弟”乐队的长号兼小号手Tommy(1905—1956)、单簧管及萨克斯手Jimmy(1904—1957),这些人后来都各自组成了自己的乐队。

1927年,Whiteman接纳了Jean Go1dtte的爵士乐队的主要乐手,其中有一位年轻的短号手(有时也弹钢琴),他是一位难得的天才作曲家,这就是Bix Beiderbecke(1903—1931)。Bix十分抒情、个人化的音乐加上他的早夭使他成为第一个(也是最持久的)爵士乐传奇人物。他的浪漫化人生成为一本书和一部电影的灵感之源,但是两者与真实情况皆相去甚远。

Bix创造力最旺盛时期,他最好的私人朋友也是他在音乐上最好的朋友当属萨克斯手Frank Trumbauer(1901—1956),人们亲呢地将两者称为“Bix和Tram”。如果没有两人精彩的呼应及独奏演出,Whiteman乐队所灌录的唱片就可能是白开水一杯,十分乏味。

Beiderbecke的遗产

Bix苦乐参半的抒情风格影响了许多心怀抱负的爵士乐团,其中就有所谓的“奥斯汀中学帮”,这是一群有天分的芝加哥青年人,其中只有寥寥几人真的上过奥斯汀中学。这些人中的一些到了摇摆舞时代后出现了几个热心的倡导者,其中有鼓手Gene Krupa(1909—1973)、Dave Tough(1908—1948)、单簧管手Frank Teschemacher(1905—1932)、萨克斯手Bud Freeman(1906—1991)、钢琴手Joe Sullivan(1906—1971)、Jess Stacy(1904—);吉他手兼企业家Eddie Condon(1905—1973)。与他们同时代的人,有时还是并肩战斗的战友有单簧管天才Benny Goodman(1905—1986)和稍为年长的Mezz Mezzrow(1899—1972),后者在1946年出版了自传《Really the B1ues》(《真正的布鲁斯》),其中虽然有不甚确切的地方,但仍不失为最好的爵士乐专著之一。

Trumbauer,虽然声名不及Bix,但受他影响的音乐家人数比起受Bix影响的人数不算少,其中有爵士乐史上最伟大的萨克斯手Benny Carter(1907—)及lester(Prez)Young(1909—1959)。

2.
这是爵士乐在现代音乐史中各个时期的各种音乐型式的资料,包括了音乐的来源、特色,着名的乐手或歌曲,希望能帮助你更了解爵士,进而更喜爱爵士...... 工作歌(Work Song) 这是十九世纪中叶普遍存在美国南方棉花田、港口、铁路和农村,劳苦黑人奴隶在工作时所唱的歌曲,后来它成为蓝调和早期表演形式走唱秀(Minstrel Show)的重要创作题材。
蓝调(Blues) 蓝调音乐的产生是为了抒发演唱者的个人情感,顾名思义,这种音乐听起来十分忧郁(Blue)。这种以歌曲直接陈述内心想法的表现方式,与当时白人社会的音乐截然不同。蓝调音乐最重要的作曲家即是W. C. Handy,这位1873年出生于美国阿拉巴马州的「蓝调之父」,创作了许多知名的蓝调音乐,例如:St. Louis Blues、Yellow Dog Blues、Aunt Hagars' Blues、The Memphis Blues、Beale Street Blues等等。
繁音拍子(Ragtime) 是一种采用黑人旋律,依切分音法(Syncopation)循环主题与变形乐句等法则,结合而成的早期爵士乐,盛行於第一次世界大战前后。其发源与圣路易斯与纽奥尔良,而后美国的南方和中西部开始流行,它影响了纽奥尔良传统爵士乐的独奏与即兴演奏风格。繁音拍子后来发展成结合流行音乐、进行曲、华尔滋与其他流行舞蹈的型式,因此繁音拍子的歌曲、乐器管弦乐队编制的曲目陆续出现,它不但在黑人乐手与乐迷间流行,也被美国白人中产阶级所接受。

纽奥尔良传统爵士乐(New Orleans Traditional Jazz) 这种乐风的组成元素,就如同美国是一个民族文化大融炉那般复杂、多元化,它包括:蓝调、舞曲、进行曲、流行歌曲、赞美诗与碎乐句(Rags)等音乐元素,以对位法(Countpoint)与繁音拍子的切分音法等主体性音乐创作为动力元素,结合大量独奏、即兴装饰性演奏与改写旋律核心为要件所展现出来的音乐体系。纽奥尔良传统爵士乐队以小型团体为主,演奏主旋律的乐器是:短号、黑笛、萨克斯风与伸缩喇叭;伴奏乐器则有:土巴号、班鸠琴、贝斯(常以拨奏为主)、小提琴、鼓和钢琴。它们经常多部同时进行对位吹奏,制造出一种热闹、欢乐气氛。

ODJB (The Original Dixieland Jazz Band) 这是历史上第一个在1917年灌录爵士乐唱片的白人五重奏乐团,它的五位原始成员全部出生在纽奥尔良:Nick LaRocca(领导人、短号)、Larry Shield(竖笛)、Eddie Edwards(伸缩喇叭)、Tony Sbarbarl(鼓)和Henry Rags(钢琴)。ODJB在芝加哥逐渐窜起后转到纽约发展,并在当地造成轰动。但是缺乏创造力、只迎合大众口味的乐风,很快的遭到新一辈天才爵士乐手们的挑战,并于20年代中期解散,走进爵士乐的历史。

狄西兰爵士乐(Dixieland) 这是1917-1923年间,在纽奥尔良与芝加哥等地的爵士好手发展出来的早期爵士乐风,它也是纽奥尔良传统爵士乐的一个分支。Dixieland的英文原意是军队露营之地-"Dixie's Land",因此可想而知它与进行曲等音乐有关。这种风格的取材大都来自蓝调、进行曲,与当时的流行音乐,甚至某乐曲的某一小乐段,都可以拿来加以延伸、推展,这便是即兴演奏的滥殇。有的爵士乐历史学者将"白人"乐手演奏的"New Orleans Traditional Jazz"称为狄西兰爵士乐;而黑人演奏的"New Orleans Traditional Jazz"则称为纽奥尔良传统爵士乐。

大乐团(Big Band) 大乐团时代大约是起源于20年代中后期,以艾灵顿公爵( Duke Ellington)、贝西伯爵(Count Basie)、班尼固德曼(Benny Goodman)等人为主的爵士乐风格,它不只兴盛於30年代中期的摇摆乐时期,40年代中期的咆哮乐、50年代的酷派爵士乐及改良咆哮乐、60年代的自由爵士乐、70年代的爵士/摇滚融合乐,乃至80年代的新咆哮乐中,都找得到它的踪迹。大乐团的编制一般在10人以上,涵盖3支以上的小喇叭、2支以上的伸缩喇叭、4支以上的萨克斯风及贝斯、吉他、鼓和钢琴等伴奏乐器,透过这个大型组织,演奏各种爵士乐风的曲目。

摇摆乐(Swing) 最早起源于1930年前后,在1935-1946年间达到巅峰,其中最能代表这个乐风的则则是「摇摆乐之王」班尼固德曼所领军的六重奏(Benny Goodman Sextet)。20年代中后期,爵士大乐队在美国各主要都市的夜总会、舞厅等场所大受欢迎,许多年轻乐迷都被吸引到此地玩乐,因此需要更多适合跳舞的音乐,来满足蜂涌而至的年轻人与中产阶级。摇摆乐后来随着艾灵顿公爵大乐团的脚步,演变成为歌舞表演的伴奏乐队和演奏会音乐(如:艾灵顿公爵每年定期在卡内基音乐厅演出);摇摆乐因适合於跳舞,每小节有四拍,因此又被称为「四拍子爵士乐」。

咆哮乐(Bebop or Bop) 以字面上看,咆哮乐是一种吵杂喧闹的爵士乐,它的英文原名Bebop、Bop或Rebop在40年代初期萌芽时都有人使用,Rebop可能源自拉丁美洲一些乐队吹奏的曲目-"Arriba"(哭叫的),但现在已无人使用了。咆哮乐是一种反叛性的爵士乐,它不只承袭纽奥尔良爵士乐与摇摆乐的传统音乐元素,并在创作概念上创新、突破和革命。它最重要的特质是在于强调高度变化、富层次感的节奏部,同时,咆哮乐手也发明新的和声,以更自由宽广的空间,发挥音乐上的潜力与创造力。咆哮乐的的代表人

回答3:

  爵士乐的起源、含义:
  爵士乐成形时间是19世纪末、20世纪初。公认的发祥地是美国南部路易斯安那州的一个亚热带城市―新奥尔良。

  在众多流行音乐中,爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种,爵士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的"民间蓝调","拉格泰姆"和"民间蓝调"构成了早期的爵士乐。

  从17-18世纪西方殖民主义者,将大批非洲黑人贩卖到美洲,成为那里白人的奴隶之后,他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余,黑奴 们怀念故乡和亲人,常常唱一种哀歌,以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中,被看作是忧郁的色彩,这种悲哀的歌曲,也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为"布鲁斯"。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名,如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。

  爵士乐的另一个起源,是来自一种叫"拉格泰姆"的钢琴音乐。"拉格泰姆"是Ragtime这 个词的音译。词意是"参差不齐的拍子"。故又称为"散拍乐"。它也是从非洲民间音乐发 展而成。19世纪末,一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手,创造了一种新风格的钢琴音乐:右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲,一、三拍为强拍,二、四拍为弱拍,而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时,就出现一次强音,而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏, 一、三拍为低音强拍,二、四拍为和弦、弱拍。这样左右手形成交错的节拍,使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣,由于这一创造,乔普林被人们誉为"拉格泰姆之王"。

  有人说Jazz这个词,是从非洲土语Jaiza演变而来。这个词原意思是"加快击鼓";另一种说法是:早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了,都叫他Jas,后来一传再传,就变 成了Jazz了;还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。

  早期的黑人爵士乐师多不识谱,演奏时只是凭着灵感,对所熟悉的曲调自由地进行变化。 所以带有很强的即兴性质。由于人数不多,三五个乐手经常在一起合作,时间久了,彼此之间也就自然地形成一种默契。

  1923年冬天,纽约"皇宫乐队" 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温,说他想举办一次别出心裁的音乐会,其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目,就是把爵士乐和交响乐揉合在一起,格什温是一位音乐革新者,他从1924年元月开始动笔,仅仅花了 一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是"布鲁斯音阶"和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦,故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue),在我国译作《蓝色狂想曲》。这次演出大获成功。从此,爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现,许多作曲家也竟相效仿,创作了许多爵士风格的音乐作品,如美国的一些音乐剧,兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等,都运用了爵士音乐的素材和节奏。

  爵士乐音乐的特点:

  (1)从大音阶来讲,它的第三级(Mi)音和第七级(Si)音经常是降低一些(平时讲是降半音,实际上不到半音)。有时第五级(Sol)音也降半音。这些降音还常辅以滑音和颤音,因而更加强了歌曲忧郁、悲伤的色彩;由于有以上这些特点,按这种方法形成的音阶,人们称之为"布鲁斯音阶"。

  (2)旋律中多用切分节奏和三连音,形成轻重音颠倒;

  (3)节奏多为双拍,通常为4/4拍,也有部分是2/4拍 ;

  (4)从歌词、曲调结构上讲,布鲁斯多采用对称的、带音韵的两行词。第一句重复一遍。每段曲调12小节,每句4小节,从而形成:‖∶ A ∶‖+B三句的固式曲式结构

  (5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、属和弦(Ⅴ)和下属和弦。(Ⅳ),因此,和声听起来很和谐,而且朴素。

  其他特点因素:
  爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法。
  爵士乐的切分节奏复杂多样,特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位,造成一种飘忽不定的游移感。
  原来的4/4拍节奏经改变后变成了3/16拍。
  爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶( 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 )来形成它的特点,有时还在布鲁斯音阶的基础上增加#4和其他一些变化音,使其变得更加丰富多彩 。
  爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多,它以七和弦为基础,并且大量的运用扩展音(如:9音、11音、13音)和替代和弦,有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行,使其呈现出丰富多彩的和声效果。
  即兴是爵士乐手(或歌手)必练的演奏(或演唱)技巧之一 。

  爵士乐的一些变化分支:

  早期爵士乐
  早期的爵士乐(1900—1917)曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调;有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调;还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢,但它的独奏旋律线的变音转调较多,起音不一,音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称,而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。
  早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器,有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中,乐队的每个成员,不仅仅是独奏者,都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作,只受和弦进行结构的限制,这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出,它就是“爵士乐”。

  自由爵士
  自由爵士产生于60年代,这种全新的音乐刚一出现,就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。
  自由爵士不同于以往爵士乐,在和声、旋律方面没有太多的限制,演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念,节拍、对称性被统统打乱,同时,它也强调音乐本身的强度与张力,加入大量的不谐和音,把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起,采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器,因此,有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。

  摇摆乐
  二十年代末,美国出现大萧条,爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所,致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson(费莱切·汉德森)的大乐队,但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman(本尼·古德曼)大乐队的成功,直到1946年大乐队时代结束为止,摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐,在演奏过程中不太注重合奏,反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础,与以前的演奏相比,这更具有冒险性。
  这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴,所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。
  摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统,同时也开辟了个人表演的新领域,许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。

  Cool爵士
  1950年,Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》,标志着Cool爵士的产
  生。
  Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的,音质柔和干爽。独奏中,带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥,有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势,但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑,音色更加和谐,与Bop相比,Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感,而没有Bop那么强的内在张力。
  Cool爵士鼓手也更加安静,不干扰其他音色,总而言之,Cool爵士风格是节制的,“点到为止”,这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。

  Fusion
  二十世纪七十年代,Fusion音乐渐渐发展起来,它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣,Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴,我们现在所熟悉的Fusion音乐,其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。

  Regtime
  Regtime(拉格泰姆)爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律,有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓,随即强调音节,这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行,虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉,所以并不能称之为真正的爵士乐。

  Bebop
  “Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节(或无意义的狂喊乱叫)。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束,而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
  Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组,还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
  Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱,这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次(如果是12小节的布鲁斯则演奏两次),接下来是在节奏组(一般是钢琴、低音提琴和鼓)伴奏下的几段即兴独奏叠句,再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型(包括变化音型),以保持乐曲的结构。

回答4:

英文维基百科上的资料很丰富
http://en.wikipedia.org/wiki/Jazz
中文只是翻译了一部分
http://zh.wikipedia.org/wiki/%E7%88%B5%E5%A3%AB%E4%B9%90

还有中国大百科全书上的内容,需要U币才能看完
http://www.cndbk.com.cn/show_bk?q=音乐-舞蹈_爵士音乐

回答5:

爵士乐(Jazz)以其极具动感的切分节奏、个性十足的爵士音阶和不失章法的即兴演奏(或演唱)赢得了广大听众的喜爱,同时也得到了音乐领域各界人士的认可。它以布鲁斯和拉格泰姆为源头,经过整整一个世纪的发展,如今已是异彩纷呈、百花齐放。自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的发展潜力。20世纪初的新奥尔良爵士乐 、30 年代大乐队演奏的摇摆乐、40年代的比博普爵士、40 年代末的冷爵士、50年代的硬博普、60 年代的自由爵士、70 年代以后的摇滚爵士,而后拉丁爵士、融合爵士、爵士放克…… 一张张不同风格的爵士唱片汇成了一部爵士乐发展史。

爵士乐的来源--布鲁斯和拉格泰姆(关于这两种以后再介绍)
爵士乐是在布鲁斯和拉格泰姆的基础上,融合了某些白人的音乐成份,以小型管乐队的形式即兴演奏而逐渐形成的

爵士乐的发源地--新奥尔良(New Orleans)

爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良。19世纪初,法国人统治着新奥尔良。由于管理非常松散,许多非洲黑人从美国南方的奴隶主手下逃到新奥尔良享受"自由黑人"的身份。再因通婚自由,非洲黑人与法国人的结合出现了大量的混血黑人,人?quot;克里奥尔人"。到了19世纪末,新奥尔良的居民中除了白人、黑人外,剩下的就是克里奥尔混血黑人。南北战争前,克里奥尔人享有与白人同样的地位,接受良好的教育,包括古典音乐教育。南北战争后,由于实施新的种族隔离法,迫使他们与黑人为伍。黑人的非洲音乐传统与克里奥尔人的古典音乐训练相结合,对爵士乐的产生起到了良好的作用。
新奥尔良对黑人一直采取比较宽容的态度。当其他城市歧视黑人,压制黑人音乐发展时,新奥尔良仍然允许黑人在大街上以弹唱谋生。新奥尔良也是美国当时惟一实行公娼制度的城市,许多妓院、赌场、娱乐场所给黑人提供了大量的谋生机会。此外,新奥尔良曾是美国的管乐器制作中心,管乐器很便宜,几乎任何黑人都很容易得到一个二手货,因而小型管乐队随处可见。由于这些原因,使爵士乐在新奥尔良这片土地上得到了充分的酝酿,以致迅速地发展起来。

在爵士乐的音乐成分中,有源于非洲的黑人音乐的节奏、有被简化了的教堂音乐的遗响、有从种植园里传出来的劳动歌曲、还有从当时的流行歌曲及其演唱风格中演化而来的表演技法。一般将新奥尔良的红灯区斯托里维尔(Storyville,直译为“故事城”)看作现代爵士乐的发源地,这里有许多黑人乐师,他们都是即兴演奏的行家,使用的往往是南北战争期间双方军队遗留下来的管乐器。1917年,斯托里维尔被警察封闭,于是这些黑人乐师纷纷到别的地方谋生,其中最集中、最有名的城市是芝加哥。不数年间,爵士乐就取代了雷格泰姆的地位,成为最热门的音乐。它原来只是在黑人中流行,此后却逐渐成为世界上最流行的舞曲,其狂热程度超过了过去最流行的圆舞曲和波尔卡。爵士乐的风格还走进了交响乐、走进了音乐厅、走进了大学的课堂、成为一门正式课程。

关于“爵士”(jazz)这个词的起源有多种说法,比较可信的一种说法是源于法语词汇jaser。前面提到过,美国南方的这几个州的居民当时是说法语的,jaser的原意是七嘴八舌地闲聊、贫嘴;音乐是黑人奴隶的主要娱乐方式,他们凑在一起,用土造的乐器随意弹奏,唱着杂七杂八的歌曲,用手边的随便什么东西敲打着节奏,既没有大家都要遵循的记谱或是和声,也没有任何技术方面的限制,就像一群人聚在一起聊天一样,这正是jaser这个词的意思。其他的说法还有很多,比如,有人说是出自一个鼓手的名字,由于他能用激动人心的鼓点将音乐推向高潮,所以每逢观众想要更刺激的效果时便大声呼喊他的名字,久而久之,就成了这种音乐的名称;还有人认为,根据爵士乐在当时表演的场所(妓院)和参与者(黑人奴隶)的文化背景分析,这个词是源自当地黑人土话中与性行为有关的词汇。这个字已知的第一次正式出现是在1914年,芝加哥的一个乐队起名为“老迪克西兰爵士乐队”,1917年胜利公司为该乐队录制的唱片即使用了“爵士乐”这个名称。
早期的爵士乐队的乐器有班卓琴、钢琴、小提琴、萨克斯管、简陋的铜管乐器和打击乐器。乐手们根本不用乐谱,全凭自己的记忆和想象来演奏。常见的情形是,先由钢琴弹出一段大家都知道的歌曲,其他的乐器则一个接一个地表演,歌曲的轮廓虽然没有改变,但是经过这样的即兴演奏之后,它已经被“爵士化”,变成了谁也没有听过的另一个东西。也就是说,爵士乐最初并没有什么旋律特点,只是以没有乐谱的即兴演奏为主要特征;但是随着它日渐普及,乐师们发展出了更为新颖的旋律,这些旋律最早的来源主要是黑人田间歌曲、布鲁斯、灵歌、白人流行歌曲和民谣;而在节奏方面对爵士乐影响最大的因素,除了非洲、南美洲的一些舞曲之外,是“雷格泰姆”音乐。这些因素的具体特点,我们将在下面介绍。
刚才谈到,爵士乐的一大特点是即兴性,但是,同其他任何一种音乐形式一样,在获得了长期发展之后若是没有一种记录方法几乎是不可思议的。后来的爵士乐队是利用乐谱的,不过对乐谱的依赖程度不同,由此而形成“直爵士”(照谱演奏)和“甜爵士”(即兴演奏)的区别。不过要注意,这种名称十分混乱,经常只是流行于某一个时期的习惯说法而已。另外,即使是照着乐谱演奏,也有大量的即兴成分。
一般地说,爵士乐都是二拍子的,每小节两拍或四拍。这种二拍子的节奏背景在低音部始终存在,使得爵士乐有一个稳定的、规律的节奏基础。在节奏性低音的上方,则是重音位置不规则的旋律、和声和对位声部,它们惯常使用的切分音效果与规律的低音声部之间形成了强烈的对比。
在爵士乐的曲调中,除了从欧洲传统音乐、白人的民谣和通俗歌曲中吸取的成分之外,最有个性的是“布鲁斯音阶”(关于这种音阶的结构,我们将在有关布鲁斯的部分专门介绍),而爵士乐的和声可以说是完全建立在传统和声的基础之上,只是更加自由地使用各种变化和弦,其中主要的与众不同之处,也是由布鲁斯和弦带来的。
爵士乐在使用的乐器和演奏方法上极有特色,完全不同于传统乐队。自“爵士乐时代”以来,萨克斯管成为销售量最大的乐器之一;长号能够奏出其他铜管乐器做不到的、滑稽的或是怪诞的滑音,因而在爵士乐队中大出风头;小号也是爵士乐手偏爱的乐器,这种乐器加上不同的弱音器所产生的新奇的音色以及最高音区的几个音几乎成了爵士乐独有的音色特征;钢琴、班卓琴、吉他以及后来出现的电吉他则以其打击式的有力音响和演奏和弦的能力而占据重要地位。相反,在传统乐队中最重要的弦乐器(小提琴、中提琴、大提琴)的地位相对次要一些;圆号的浓郁音色在管弦乐队中是很迷人的,但是对于爵士乐队来说,它的气质太温顺了,几乎无人使用。在管弦乐队中,每件乐器在音色和音量的控制上都尽量溶入整体的音响之中,在爵士乐队中却恰恰相反,乐手们竭力使每一件乐器都“站起来”。
乐队的编制很灵活,最基本的是两个部分——节奏组与旋律组。在早期的爵士乐队中,节奏组由低音号、班卓琴和鼓组成,后来,低音号和班卓琴逐渐被低音提琴(倍司)和吉他所取代,钢琴也加入进来。在30年代,兴起一种舞曲乐队,当时称为“大乐队”,它有三部分组成:节奏组、铜管组和木管组。节奏组使用的乐器仍然是低音提琴、吉他、钢琴和鼓;铜管组常见的编制是三支小号和两支长号,但这个数目并不固定;木管组通常由四五支萨克斯管组成,每个人都兼吹单簧管或是别的木管乐器,如果编制是五支萨克斯管,一般是两支中音、两支次中音、一支上低音。还有一种商业性的(有时也称为“甜美型”、“旅馆型”等等)的乐队,编制与“大乐队”差不多,但萨克斯管往往全部用次中音的,木管组会较多地使用其它的乐器(如长笛、双簧管),有时还加上三四个小提琴,在商品录音带中经常可以听到这类乐队的音响。
与传统音乐比较而言,爵士乐的另一大特征是它的发音方法和音色,无论是乐器还是人声,这些特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿。如果我们有机会听到真正的黑人田间歌曲和灵歌,就会发现那些由粗嘎到圆滑、由窒闷到响亮、由刺耳到柔美、由野蛮到抒情的大幅度的变化是多么地富有特色、动人心魄。而在爵士乐中,更加入了非歌唱的吼声、高叫和呻吟,突出了这种感觉。除此以外,特殊的演奏和演唱技巧也是造成特异效果的重要手段,在这些技巧中最常用的是不同于传统观念的颤音。我们知道,所谓颤音是音高(有时也可能是力度)的有规律的变化造成的;比如小提琴上的揉弦,就是利用这种变化而产生富有生命力的音响效果。爵士乐中的颤音是有变化的,变化的方向一般是幅度由窄到宽,速度由慢到快,而且常常在一个音临近结束时增加抖动的幅度和速度,更加强了这种技巧的表现力。同时,在一个音开始时,爵士乐手们会从下向上滑到预定的音高,在结束时,又从原来的音高滑下来。所有这些变化都是无法用乐谱来详细记录的,有经验的爵士乐手都熟练地掌握了这一类的方法、尤其是这种观念,他们可以根据不同的旋律或伴奏音型将这些效果“制造”出来。因此可以这样说:由于即兴的传统和技巧的个人发挥,爵士乐是由作曲家和乐手共同创造的。受过传统教育的音乐家之所以很难表演爵士乐,就是因为他们没有培养出这样的特殊的音乐观念。如果我们细心地比较一下真正的民间歌手和受过正规训练的歌手演唱同一首民歌的差别,对此中的含义就会有一个更直观的概念。
从爵士乐诞生之初,它就吸引了众多的转业作曲家。1920年,美国指挥家保罗·怀特曼组织了一支著名的乐队,将改编的爵士乐作品带进了音乐厅。这种新潮流引起了许多“严肃”的爵士乐爱好者的激烈反对,然而,正是从这以后,爵士乐在美国和欧洲家喻户晓,受到广泛的欢迎。格什温的《蓝色狂想曲》在这时诞生,为这部作品配器的人就是怀特曼乐队的作曲家格罗菲。按照手稿上的记录,写这部作品只用了三个星期,演出后几乎是立即引起轰动。欧洲作曲家也有许多以爵士乐为基础或是受爵士乐影响的作品,例如:德彪西的钢琴曲《丑黑怪步态舞》(1908)、《游吟诗人》(1910)、《怪人拉维纳将军》(1910);拉威尔的小提琴奏鸣曲中的慢乐章(布鲁斯);斯特拉文斯基的《11件独奏乐器的雷格泰姆》(1919)、《士兵的故事》(1918)、《黑木协奏曲》;欣德米特的《室内乐第一号》(作品24,无调性)和钢琴组曲(1922)。

JAZZ--爵士乐的起源
在众多流行音乐中,爵士乐是出现最早,并且是在世界上影响最广的一个乐种。
爵士乐是美国最有代表性的民间音乐,因为美国黑人的祖先在非洲。从17-18世纪西方殖民主义者,将大批非洲黑人贩卖到 美洲,成为那里白人的奴隶之后,他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余,黑奴 们怀念故乡和亲人,常常唱一种哀歌,以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中,被看作是忧郁的色彩,这种悲哀的歌曲,也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为"布鲁斯"。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名, 如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等,它们更准确的译法应该是《忧郁狂 想曲》、《忧郁的探戈》、《忧郁的爱情》……。
布鲁斯最早出现时,仅用于歌唱。后来也用于器乐演奏。起初仅限于一些弹拨乐器, 如吉他、斑鸠琴等。19世纪60-70年代,美国南北战争结束之后,在新奥尔良一些旧货店, 出售 南北战争后军队留下的一些管乐器。那时,黑人们每到假日黄昏,常来到新奥尔良的"刚果 广场"唱歌、跳舞。他们发现了这些廉价管乐器,便买了下来,学习吹奏。从此,黑人乐队 有了管乐器。
爵士乐的另一个起源,是来自一种叫"拉格泰姆"的钢琴音乐。"拉格泰姆"是Ragtime这 个词的音译。词意是"参差不齐的拍子"。故又称为"散拍乐"。它也是从非洲民间音乐发 展而成。19世纪末,一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手,创造 了一种新风格的钢琴音乐:右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲,一、三拍为强拍,二、四拍为弱拍,而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时,就出现一次强音,而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏, 一、三拍为低音强拍,二、四拍为和弦、弱拍。这样左右手形成交错的节拍,使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣,由于这一创造,乔普林被人们誉为"拉格泰姆之王"。

可能由于年代过早,查了一下CD唱片,未觅其踪影,只有一张纪念邮票给这位传奇人物留下 了一些纪念。

黑人们有了自己的钢琴手和乐队,他们开始在聚会时,为糕饼舞(Cakewalk,以糕饼作为奖品 的一种美国古老的民间舞蹈)伴舞。后来又到一些低级咖啡馆和酒吧间演奏。于是,这种有 着特殊韵味和节奏的音乐迅速传播开来。当时,一些夜总会,大饭店里的白人乐队都是演奏 古典风格的曲子,生意不好。一次,一个名叫尼克的白人小号手听说黑人酒吧间有一种新的 音乐很受欢迎,于是他怀着好奇心去了。听后,他兴奋不已,并把他所听到的、新风格的 音乐,改编成乐曲,让他领导的一支由五人组成的白人乐队在大饭店里演奏。不出所料, 这种新的音乐大受欢迎,饭店的生意也越来越兴隆。于是,许多白人乐队纷纷效仿、学习。 爵士音乐成为当时最时髦、最受欢迎的音乐。人们称尼克等乐队演奏的新风格音乐为"迪克 西 兰(Dixeland)爵士乐"意思是"美国南部爵士乐",并以"黄金时代乐"、"新奥尔良爵 士"著称。早期爵士乐有句格言:"一切为了欢笑"(Jusf of Fan)。

19世纪九十年代,芝加哥和圣路易斯先后举办"世界博览会"。新奥尔良和圣路易斯的黑人 爵士钢琴手和乐队纷纷来到这两座城市"淘金"。他们演奏的爵士乐,吸引了大批客人。从 此,爵士乐传到了英国和法国,在那里也流传开来。法国印象派音乐大师德彪西听到爵士乐 之后,于1905年用拉格泰姆的节奏,创作了一首爵士风格的钢琴小曲《木偶的步态舞》。成为一首世界名曲。

那"爵士"这个名称又是怎么来的呢?说法也是多种多样的:

有人说Jazz这个词,是从非洲土语Jaiza演变而来。这个词原意思是"加快击鼓";另一种说法是:早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了,都叫他Jas,后来一传再传,就变 成了Jazz了;还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。而这个Chaz是20世纪初,美国密西西比州威克斯堡市某个伴舞乐队中,一个名叫查里·华盛顿鼓手的名字。这个鼓手当 时在演奏上负有盛名。每当他演奏得十分精彩时,人们就向他欢呼:"Now,Chaz!Chaz!" 。此外,还有其它一些传说。

最早、最有影响的一支爵士乐队,是由巴迪·博尔顿组建的。他原是新奥尔良的一名理发师。在1895年-1896年间,他的乐经常在公园露天演出,深受人们的欢迎。当时,被人们誉之为"音乐之王"。在他之后,有约瑟夫·金·奥尔弗,他是1885年生人,和博尔顿是同乡。享有"小号之王"的美名;另有默顿和埃林顿,他们都是著名的爵钢琴家;爱德华·奥尔利是著名的爵士长号家;姜尼·达兹是著名的爵士单簧管演奏家。

但是早期在爵士音乐界没有人比路易斯·阿姆斯特朗( Louis Armstrong,1900-1971)更出名的了。他生在新奥 尔良的一个贫民区。小时候在街上卖过报、当过小工。由于贫困,他没有机会受正规教育, 但是 在街头上、公园和有钢琴手演奏的餐馆里传出的爵士音乐,对他产生了极大的吸引力,他自 己学会了演奏小号。1922年,他参加了金·奥利弗的乐队。常和奥利弗一起表演小号二重奏 。阿姆斯特朗那独特的艺术风格和高超的小号演奏技巧,征服了许多听众。后来,他自组Th e Hot Fire乐队(注:Hot意为强节奏)来到芝加哥和纽约献艺。受到热烈欢迎。一些唱片商 纷纷邀请他灌制爵士乐唱片。更是帮助他提高了知名度。阿姆斯特朗不仅小号吹得好、能演 奏别人所奏不出的奇特音响,他还善于歌唱。表演充满激情,常常给人以喜剧和幽默感, 因而形成了他独特的风格,深受人们的喜爱。30年代,阿姆斯特朗应邀到好莱坞影城拍片。 由于影片的传播,阿姆斯特朗名扬海内外,并应邀到欧洲各国演出。连英国女王都聆听他的 演奏、接见他。阿姆斯特朗还专门到非洲一些国家表演。1971年7月6日,阿姆斯特朗病逝后 ,竟有成千上万人自发地参加他的葬礼,可见他在人们心中的地位。

早期的黑人爵士乐师多不识谱,演奏时只是凭着灵感,对所熟悉的曲调自由地进行变化。 所以带有很强的即兴性质。由于人数不多,三五个乐手经常在一起合作,时间久了,彼此之间也就自然地形成一种默契。但是,到埃林顿乐队出现,这种情况就开始改变了。

杜克·埃林顿(Duke Ellington 又名爱德华·肯尼迪Edward kendedy,1898-1974)是将爵 士乐领向摇摆乐的一个关键人物。埃林顿的父亲是白宫的一名黑人厨师。父母都喜爱音乐, 埃林顿在他们培养下,成为一名爵士钢琴家。他十七岁开始出道,并领导他的乐队创造出粗 犷的"丛林 风格"(Jungle Style)。是他第一个采用管乐加弱音器演奏的技法,这一创造,使得管乐器 增加了多种音色(如咪咪哇哇…声),听后使人有置身于非洲大自然的森林中之感,故人们称 之为"丛林风爵士"。

埃林顿不满足于少数几个人在那里演奏,他把乐队编制搞得越来越大,各种乐器,象萨克管 、单簧管、小号、长号等,都已不再是单件乐器在那里演奏,而是形成了乐器组,加上众多 的 小提琴和其它乐器,组成了庞大的舞坛乐队。其音响更大、音色更美、表现力也更加丰富了 。因此吸引了许多受过正规音乐教育的演奏家、作曲家纷纷加入他的乐队。于是,爵士乐从 单纯的伴舞音乐,发展成像严肃音乐那样,供人们静下来欣赏的音乐,甚至进了音乐厅。

爵士乐的这一变革和发展,引起了美国各方面人士的兴趣。1923年冬天,纽约"皇宫乐队" 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温,说他想举办一次别出心裁的音乐会,其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目,就是把爵士乐和交响乐揉合在一起,并请格什温帮他完成这个计 划。格什温是一位音乐革新者,对这一计划颇有兴趣。他从1924年元月开始动笔,仅仅花了 一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是"布鲁斯音阶"和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦,故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue),在我国译作《蓝色狂想曲》。这次演出大获成功。从此,爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现,许 多作曲家也竟相效仿,创作了许多爵士风格的音乐作品,如美国的一些音乐剧,兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等,都运用了爵士音乐的素材和节奏。

由于埃林顿对爵士音乐的改革与巨大贡献,他先后被耶鲁、霍华德等十五所高等学府授予名 誉博士学位。他还荣膺过包括尼克松、约翰逊所授予的"总统自由勋章"及其它金质奖章多 枚。英国女王也不止一次接见他。世界上有十八座城市赠给他金钥匙和"光荣市民"称号, 华盛顿还有一所学校用他的名字命名。也是由于埃林顿对爵士乐队的改革,孕育、促成了30年代摇摆乐(Swing)的诞生。

一、爵士乐起源的背景文化 (一)、非洲渊源 爵士乐来自黑人音乐,黑人音乐的故乡是非洲音乐。在非洲文化中,音乐以对人生的全部理解为其基础,无所不在,充斥着一切,不仅仅有服务于宗教,而且服务于生活的所有方面,包括生老病死,工作与娱乐。非洲,这块充满原始野性的大陆其音乐中最突出、最主要的因素是节奏。原住民手下的鼓在太阳的炙烤下自然诞生了火焰般跳跃的节奏。于是,这种节奏成了非洲音乐的内核,它所独具的活力和强烈的感染力让全世界每一个听到的人都能深切感受到来自非洲的动感冲击。非洲音乐传统是"口头的",既无记录也无常规,只是带有本地风情.。口头传统产生灵活性和创作力。节奏歌词随领唱情绪而变。领唱(常)在演出中编新词新调,这就是"即兴"的含义,即艺术家用脑(和心)创作。非洲音乐另一突出特点是,演出中变换节奏。通常是起奏延缓、随机强调音节。18世纪到19世纪,黑奴贩卖交易繁盛,来自非洲大地各个角落的许多黑人被贩卖到美洲,绝大部分充当奴隶。黑人音乐文化遗风,被白人殖民者装船远渡而受重创。在奴隶制度的压迫下,他们顽强地保持着自己的文化。象舞蹈、音乐、神话、宗教仪式等,"自由修改"词、节奏、风格的趋势愈加明显。这是他们民族文化中最宝贵的东西,并经过代代相传,其核心部分终于存留下来了。在奴隶得到解放后,这些传统文化有了新的发展,甚至最终给居于统治地位的白人的音乐文化,打上了特殊的印记。 (二)、宽容的文化氛围非洲音乐中传统的节奏和即兴是黑人音乐的根源。在黑人音乐全面影响美国主流音乐以前,美国白人音乐也是不讲究旋律的。再往前推一步,非洲音乐也并不是只讲究节奏的。正宗的非洲音乐对旋律的讲究至少不亚于节奏。美国黑人音乐中节奏的特殊地位是和早期白人奴隶主不准黑人唱歌弹琴有关的。黑人音乐在初到美洲时受到了极大的限制,可总有一个地方能够容纳非洲来的音乐。新奥尔良正好处在这么一个政治地位上。于是决定了它必然成为爵士乐的发源地。 在19世纪末到20世纪初,新奥尔良恐怕是全美国最不美国化的城市。它座落在密西西比河拐入墨西哥湾的河口以内80英里处,混合着西班牙、法国、诺瓦斯科夏(加拿大省名)和非洲等若干不同文化,其氛围十分开放、宽容、自由、温馨。新奥尔良在爵士乐诞生及发展过程中扮演了一个关键的角色。在整个18世纪,新奥尔良是一个独一无二的"三不管"自由地区:法国和西班牙将新奥尔良转让来转让去,这个州就是这样与管辖主若即若离,殖民者似乎时有时无,直到1803年,被美国政府以700万美元买下。此地的法国、西班牙统治松散不力,许多非洲黑人从美国南方和加勒比群岛的奴隶主手下逃到新奥尔良,享受优越独特?quot;自由黑人"身份,在求职、进修、与当地白人交往、通婚等方面都不受限制。由于通婚很普遍,他们的后代形成此地一个优势阶级"克里奥耳人"(双亲中一方是非洲人,一方是西班牙或法国人)。19世纪初叶,克里奥耳人享受的社会地位几乎和白人的一样。 18世纪末,19世纪初,统治着新奥尔良的法国人一贯重视音乐,尤其热衷搞音乐节和艺术节。法国、西班牙商人和专业人员从故国携带钢琴、小提琴、小号等乐器,以便来到新奥尔良以后还能继续欣赏巴赫、莫扎特和舒伯特的乐曲。商人家庭多因有钱、受过教育,受过欧洲音乐作品熏陶,通晓乐器,保留传统已成习俗。后来当地人(非洲人和克里奥尔)与他们自由往来并受其音乐艺术熏陶。有钱人送天赋颇高的克里奥尔人去欧洲音乐院校,而他们小时侯在当时所受的却是正宗的黑人音乐。于是19世纪末,大批黑人、克里奥尔音乐人在唱歌剧、奏弦乐,给他们的赞助人和自己以文化激励。西城大部分就是贫穷的黑人,他们之中的乐师却连乐谱也不认识。在这种情况下,新奥尔良产生了两种不同的音乐团体,一种是"端坐乐队",在闹市演出;另一种是"即兴乐队",通常走街串巷。在1894年,突然这种格局发生了巨大变化。政府发布了"种族隔离政策",将黑人和克里奥尔人全部归结成了有色人种而实行隔离。地位的降低引起了克里奥尔人的极大不满,并在客观上使他们与当地黑人更为亲密。于是,受过良好音乐教育的克里奥尔人和黑人乐师们坐在一起研究和探讨音乐,让克里奥尔人放弃了原先优美舒缓的欧洲风格音乐,而故意将音乐加大拉长,以此抗议歧视。新奥尔良早先曾有过极大的社会自由,几种不同文化传统曾自由融合,来自不同国家的人一度自由交往、通婚,也把各自的音乐揉进新奥尔良音乐之中,使之成为一种与美国主流音乐传统迥异的混合音乐。

二、爵士乐的直接起源 (一)、BLUES蓝调 Blues音乐是居住在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造出的音乐风格。它发源于密西西比河的三角洲地带,起源于20世纪初。1865年,美国内战宣告结束,往日的奴隶们获得了人生自由,他们多数是文盲,生活依然贫困潦倒,唯有靠自己故土培植出的音乐自娱自乐,是采摘棉花或筑路时唱的劳动号子和农田歌曲。美国南方黑人与白人早期在音乐方面接触的重要媒介之一--宗教音乐,对黑人在音乐上的影响形成了黑人圣歌。在教堂里黑人牧师们在宗教集会上借用了英国的惯例,即采用一种名为"领唱"的技巧反复吟诵两到三行圣诗,以此解决人们不识字的问题。最初这种音乐完全以人声吟诵,极少有乐器伴奏。后来这种音乐(至少对欧洲人)逐渐变得很正式,被精心记录和正规演奏。信教黑人(常不懂玄奥的神学及圣人风度)也奏乐,但远不及神父的期盼。黑人教堂中的圣歌(这样严肃的音乐)中出现了许多非洲音乐名词。牧师也取代了西非音乐的领唱,唱法充满活力、令人兴奋、与众不同。颂唱、应答合唱拖长变幻音节与模式,加上喊叫和感情自然迸发,都是黑人献给上帝的独特补充。 到了19世纪下半叶,黑人音乐风格得到了快速的发展,并同样受到非洲音乐以及美国白人从欧洲带来的传统音乐的影响,劳动歌曲和黑人圣歌相结合,形成了一种独特的黑人民歌风格,从这种风格中便产生出了Blues 音乐。Blues最初主要是人声的叙述,后来才加上了乐器的伴奏。主要是吉他或者班卓琴之类的单一乐曲伴奏,器乐旋律与歌曲者交替表演。它节奏特色明显