美术色彩怎么够图最经典

我来拿我的实际作品给你做讲解。这是我几年前高中时画的，我走的是中央美院那种注重颜色的道路，构图方面我有很多经验。
我们拿这张画举例。在构图上，我一直忌讳所谓的黄金分割。现在高中的老师们都那么交，让本来很不错的东西变得很麻木生硬。好的东西也不那么值钱了。
首先，看这张水粉，在考试时构图上讲，竖构图绝对胜过横构图。因为大部分考生不经常练习竖构图，所以考试时都选择横构图，如果你可以把竖构图画好，那么你在构图第一步就胜过了其他考生
其次，你要知道所谓近大远小，并且应该把这个规律发挥到极致。即使远处那静物没那么小，你也可以尽可能的夸张，来加大你的画面视觉的延伸线。使你的画比其他人的画空间感更强烈。
再次，你的静物组合不要太偏上，也不要太落到中间，这样会使画面沉重。最好选择偏下略右，这样是最平衡，也是最美观，也是最个性，也是最打眼的构图形式。可以打动考官的眼睛，他们会想：这个考生的构图很有新意。如此，你更胜一筹。
构图，没有再多的要讲，考试水粉时间就是3小时，不要指望把画画的像我这张一样精彩，只要做到基本步骤正确，色调统一，突出新意。你就算成功了
希望作为前辈，给你的这番话，让你有所领悟。
祝你成功吧

素描（线描人物画）写生尚须注意的几个问题
发布: 2007-5-22 18:29 | 作者: webmaster | 来源: 本站原创 | 查看: 2518次

（一）人物特征的表现
　　人物头像不仅有复杂的结构，更有丰富的表情。在循序渐进的素描写生中，先训练抓“形”，在较熟练地掌握了形的基本规律后，逐渐达到“以形写神，形神兼备”这样便要求头像的塑造时注意模特儿的形象特征。
　　鲁道夫·阿思海姆在《艺术与视知觉》一书中曾证明出人在视觉上存在两种习惯倾向，即整平化与尖锐化，在整平化倾向化的人往往强调对称，剔除细节，消除倾斜，有尖锐化倾向的人则产生分离，加强差异，强调倾斜。这两种倾向都不利于造型，整平化的缺点更为有害，它易呆板的毛病是肖像个性化的严重障碍。
　　头像的生动神态的捕捉，主要取决于五官表情区的刻划。安格尔说：“画头像时，一个艺术家所最关心的就是让眼睛说话，即使是一般的眼睛，首先应该画眼窝，然后过渡到隆起的鼻子。眉毛的运动方向也是表情的关键，嘴角对微妙表情的变化反映更加细致准确。
　　（二）另外，手在某种精神状态下的意识的反应，也会把面部要隐藏的东西暴露出来。画家所作的是把他对手的观念与真的手的概念统一起来――用真的手的概念去研究手的用途，使用方法和规律。画手就先要了解它的结构，从几何结构，即从圆柱体、立方体来理解对的方法，手与表现，手与性别等等。
　　（三）衣纹：衣纹的表象来自人体的结构和自身的质地，产生衣纹的原因：（1）与人体的形体结构相一致，是力的作用，与人的运动或外力有关；（2）由服装本身的样式有关；（3）长期折叠形成的；（4）衣服自身垂力产生的垂感。
　　（四）线型与衣料的质地
　　由一料的质地不同，影响衣纹的形状如丝绸类的质地较薄的衣服，衣纹多而密，线型也较柔圆。麻布等硬质类衣纹多用折线、直线，线型方而短，呢绒及化纤织物，衣纹少而挺。我国传统绘画对衣着的造型，也有很高见解，并总结出一套不同于西画的完整的表现样式和体系，沈宗骞在《芥子图学画编·人物谈话》中说：“周围骨骼要从衣外看出，何处是肩，保处是肘……，凡此皆骨骼之隐于衣中，而于作纹时随笔写出。”“先将裸体骨骼约定，后施衣服。”其中道出衣服结构与人体结构之间的关系。
　　以线为主画衣纹，须更加重视衣纹的提练，概括和取舍。写生时要充分发挥线条的疏密，长短，虚实节奏等效果，有时并带有一定的装饰性。这一点在中西绘画中有异曲同工的一致性。
　　（五）全身人物着衣写生
　　它是肖像画的一种，也是收集创作素材的重要手段，它在胸像的基础上，更推进一步，要求画者对整体的了解和掌握，对整个人物形体各部分的刻划与协调能力的提高。对人物个性的体现将是全面的，甚至包括场景在内。
　　（六）手的具体画法
　　手由二十七块骨和十六个关系组成，手背和形状几乎由骨决定，手骨有腕骨、掌骨、指骨组成。腕骨有八块，和足部跗骨一样呈不规则形。它们结合成一个整体。
　　具体描绘手时，要掌握手的比例、体积和体积。手的体积有两部分，（1）手掌；（2）大拇指，手平放从侧面看，腕关节高，自指关节倾斜，被称为“降价式”象一级降低的台阶。
　　（七）小结
　　素描（线描）人物写生，综合起来说就是先由头像、胸像、半身像、全身像四阶段的写生训练，每个阶段的要求不一样，但从整体到局部，由局部再加到整体这一方法是不变的，多训练、多研究、多比较，方能一步步的取得进步。

绝对是用怀旧的色彩，个个都是创新，你就要走怀旧的路线，参考一下版画的色彩搭配，你会又意外惊喜

记得构图要追求效果，画画时刻记得明暗对比关系和透视效果，做工越精细越好

分得出明暗对比，前后空间就OK

色彩静物写生或默写是高等美术院校招生考试的必考科目之一，一幅优秀的色彩静物画必须做到以下三点：一
构图完整；二
造型准确；三
色调统一。而构图问题又常常为广大考生所忽视，虽然他们在物体的造型和画面的色调上下了很大的功夫，但仍然得不了高分，因为他们没有重视画面的构图。特别是现在许多省份将美术高考专业考试实行统考以来，色彩试题大多是静物默写，因此画面的构图问题就显得尤其重要。在这里我们就着重谈谈静物画中的构图问题。
什么是构图呢？所谓构图就是面对一组静物，如何将其安排到画面的空间结构之中，使之自然、优美地组合在一起，形成一个整体，也就是中国古代画论中所说的“经营位置”。通俗地讲，就是在画纸上面考虑物体画多大、空间留多少，“上下、左右、高矮、疏密”这些构图因素怎么安排。独具匠心或优雅舒适的构图，会使你的作品增添无穷的魅力，既然构图如此重要，我们怎样来学习它呢？这就需要了解和掌握构图的原理和规则。世界上的一切事物无不是对立统一的，作为绘画技巧的一个组成部分，“对立统一”也是构图的规律，也有的书上将其称为“均衡与多样统一”，即既要有对比和变化，又要能和谐统一，反对呆板、平均、完全对称和无对比关系。
下面我们具体分析。一幅优秀的静物画，它一般都有主要物体、次要物体和陪衬物（或称点缀物）的区分。所谓主要物体一般是一件形体较大的物体，也可以是几个组合物；次要物体一般在面积上比主体物小；而陪衬物的单体面积应该更小。因此我们在构图伊始，便要确定哪个物体为主，哪个物体为次，做到主次分明，形成大小变化。接下来的问题是如何放置这些物体。通常来讲，主体物旁边要有一个次要物体重叠组合，而陪衬物则不规则地摆放在四周，要让人看上去觉得很自然。如一个陶罐与一只放着香蕉的白瓷盘靠在一起，周围散落着一些苹果、桔子之类的水果，这样的画面不仅有大小变化，而且还会产生高低、聚散、长短等对比因素，因而具有形式美感。有的考生面对数量众多的陪衬物便会束手无策，那么这怎样处理呢？我们以图A、B、C加以说明。图A中的三只苹果整体排列，这种视觉形象十分统一，但缺少变化，显得呆板，是不可取的；图B中的三只苹果各自为阵，太分散、变化又过了，显得不统一，也不可取；图C在画面的处理上是比较成功的，两只苹果相叠，一只独放，显得既多样又统一，值得我们借鉴。三只苹果如此，四只、五只或更多的苹果呢？我们可以用几个苹果聚集在一起，而形成一个“整体面积”相对较大的中心，而周围的苹果则以一个、两个单独的摆放，与中心主体物形成主次陪衬关系，这样组合就显得和谐、美观。这和古人讲的“疏可走马、密不透风”绘画理论有相通的地方。
以上我们阐述的是构图中“多样统一”的问题，下面来谈谈“均衡”的问题。什么是均衡？可以这样理解，假如把画面中的视觉形象用物体的重量来比拟，把整个画面作为天平称，以画面的中心为支点，就可以用重量的平衡来比拟画面的均衡，画面中的均衡实际是人心理感觉上的一种平衡关系。因为在人们的生活中和大自然中普遍存在着均衡状态，所以人们对画面构图也要求均衡。具体表现在画面上，主体物切忌放在画面正中位置，这样做会造成完全对称的感觉，显得呆板、僵死，毫无生气，应该向画面中心线外略微偏移一些，偏上一些，以画面中心为界，放主体物的这边空间要少放一点陪衬物，而另一半空间则要多放一些陪衬物，以保持画面的均衡。
此外，静物画的构图框架一般有三角形、V形、S形等，三角形构图给人的感觉比较稳定，而V形、S形构图则相对变化比较丰富。