急需关于话剧的常识！！！！！

　　基础篇

　　1、舞美设计
　　舞美设计是仅次于剧本的重要。一部戏，可以根据排练来设计舞美，也可以根据舞美来设计舞台走位，调度，也可以两者相互磨合。但是，在我而言，我一定是建议设计舞美之后，再来谈舞台调度，然后再舞台调度中发现需要修改的再改。
　　一部戏，有需要场景变化的，有不需要的，但是，场景的变化不是舞美的变化，场景变化了十个，有时候，一个舞美就可以了，有时候甚至暗场都不需要。有时候，场景没有变化，可能舞美也会需要变化了，来突出一些导演的意图。具体来说，现实主义或者偏重于现实的戏，一般要求舞美比较真实，伴随着场景的变化也需要舞美的变化。对于大学生戏剧大量的超现实、先锋的戏来说，舞美反而可以虚化。个人非常喜欢有几块木块，可以沙发，可以床，可以楼梯，这点可以借鉴戏曲的一桌两椅的运用。
　　在设计舞美的时候，一定要注意支点，每一个支点都可以是表演的中心。这里就要导演预先设计舞台调度，并且考虑到如何利用整个舞台区域。设计好支点，为后面的演员表演会打下很好的基础。
　　舞美的更换有时还会影响到整个戏的节奏。对于扬之水的《sayo-nara》来说，频繁地更换舞美有时候并不是那么必要的，一个并不是非常现实主义的话剧，保持统一的舞美风格，把场景虚化，利用表演来创造场景（尤其是酒吧，家，还有公车的场景，应该可以更加虚化），或许会更好。当然，利用人和灯光作为舞美，是这个戏非常不错的地方。
　　这里尝试给出舞美设计的几个基本方法步骤。
　　（1）确定剧本、导演、舞美风格；

　　（2）估计有多少场景，需要换多少舞美；

　　（3）根据导演、剧本、舞美的情况，看是否需要变更场次，融合舞美，最终目的是把握整部戏的节奏；

　　（4）设计支点、预设舞台调度；

　　（5）与演员磨合。

　　2、舞台调度
　　舞台调度与舞美设计密不可分，属于上层建筑与经济基础的关系。舞美是静态的，舞台调度是将舞美用活。
　　如何让演员在舞台上舒服地表演，如何又让观众很舒服地看着表演，如何又在不经意间表现出导演的意图，这是舞台调度要解决的问题。
　　舞台调度，首先必须让演员舒服。演员要能够从一个位置走到另一个位置，要让演员走得有道理，演员入戏了，他会感觉这么走有道理还是没道理，而导演，也一定要让演员走得有道理，有时候，演员不入戏，导演就可以要求演员这么走，一直走到入戏，感觉舒服，有时候，演员入戏了，还是觉得不舒服，导演就必须让演员走自己的走台，因为这说明有问题的是导演。
　　舞台调度，必须充分地利用舞台的各个位置，有人把舞台分为6个或者9个区域，从离观众和中心的远近进行划分。经过舞美设计的舞台，也重新划分了舞台，舞美当中设计的支点也会分布在不同的位置，有远离观众，有接近观众。充分地适时地用好这些支点，把戏当中的紧张的地方，松弛的地方，重要的人物，次要的人物，安排好位置，并且根据剧情让他们在适当的位置间走动。这样的舞台调度才能够让观众舒服。
　　导演的意图是最后才需要的。当一个导演，需要一个人从舞台的中后方，走到舞台的前方，沿着阶梯一级一级地走下来，他想表现什么，如果反之，他又想表现什么，当然，这些我们将在后面在谈到。
　　关于这一点的学习，大家最好的办法是看经典话剧。仅就这次大话节来说，《永远的微笑》就是一个很好的例子，非常专业的舞台调度设计。有层次，符合剧情。大家可以仔细看看这些经典话剧的舞台调度，包括如何利用支点，如何符合剧情发展，如何扩展整个舞台，演员走来走去是不是舒服，是不是有道理。

　　3、演员的表演技巧
　　演员要演好角色，最主要的问题就是体验和表现。除去专业所需要的语言功底不去说，如何体验角色和表现角色，是校园戏剧的两个必要课题。
　　这里，个人认为专业演员和业余演员的区别并不是那么明显，经过一定训练的人，还是可以达到一定的专业水准的。
　　我看过很多校园戏剧的演员的表演，体验，始终是一个问题。有些人很有表现力，但是仔细感受就知道，他的内心有多少东西，又有多少是和这个角色紧密联系的。绝大多数演员的习惯，包括很多很不错的演员就是，用自己的大脑去控制自己的语言和身体，入戏，是在于自己与别人的交流，体验到角色的内心，注意不是理解，是很难很累的。

　　体验，实在是一个很神秘的词汇。对于一个人来说，如何才能体验的别人的感受，甚至是一个虚构的人的感受呢？
　　一个是经历，个人的喜怒哀乐。一个人对于自己的喜怒哀乐才能够有真正的体验，这样的体验才有可能使自己在舞台变得自然，才有可能生活在舞台上。
　　一个是观察，观察别人的喜怒哀乐。与此相关的是，想象，想象别人的喜怒哀乐，想象别人在一定情景下的反应。看了很多校园戏剧，一些好的演员体验，更多的是理解角色和塑造角色的过程。然后，再在角色中倾入自己的感情，所以，在第一次演出的时候，你觉得他演得很精采，但是后期倾入感情的时候会需要一定时间，会有一定难度。当然，也有另一种表演方式，他通过自己的肉体慢慢进入角色，他让自己变成角色，让角色成为自己身体的一部分，这样的演员比较慢热，一开始似乎离角色比较远，或者感觉表现力不够，但是，最后一旦入戏，便是浑然天成的表演。
　　两种方式各有利弊。仅就于体验来说，两种表演方式必然都有，只是前一种，以观察、想象为主；后一种，以经历为主。

　　4、演员的表演技巧——声音台词的表现力
　　声音台词是话剧语言魅力的体现，需要很扎实的基本功。对于校园戏剧，我不提倡基本功的训练。但是，声音和台词的必要训练还是需要的。
　　除了之前说的不要一个语音语调的tips以外，在这里就需要比较详细的说一下：
　　1.大嗓门。声音太轻别说表现力，连听都听不见。这大多是因为在舞台上拉不下面子，那就用行为主义的疗法。声音不断放大，然后在不同地方都渐进做这样的练习。
　　2.口齿清晰。不一定要大珠小珠落玉盘，至少要让别人听清楚你说的是什么。这两点是非常基本的要求。
　　3.从单句到人物。这和一个语音语调有联系。有人会想，我说这句话要符合人物形象啊。人物的形象不是一个概念。而是靠每一个字，每一句话组合而成的。首先，要善于表现单句。这里，可以做做诸如说一百遍我爱你的练习。（一百遍太多至少十遍吧）。在不同的情形下，可以说不同的语气，语音，语调。经典的包括，哦，啊这种词汇。
　　4.句读、节奏。哪里重音，哪里停顿。哪里一泻千里，哪里一字一顿。
　　写完这些，我想，表演的东西太实践了，这些只能起到提醒大家注意的作用。希望有机会能亲自实践来说说清楚，让大家有切身体会。

　　5、导演——做好演员的镜子
　　一个导演有导演的工作，但很重要的是做好演员的镜子。一个好的演员甚至可以不需要导演但一定需要镜子，为的就是看清自己。记得谷亦安导演在排《艺术》的时候，大概说自己在给演员排艺术的时候很轻松，因为演员自己知道怎么排戏，他要做的就是做好镜子的工作。
　　什么叫做好镜子。这里的镜子不是哈哈镜，而是一面普通的镜子，目的就是要让演员客观地认识自己，看见自己有哪些不足，不对的地方，哪里需要改进。客观，就要尊重演员尊重话剧，而不是随心所欲，跟着自己的想法。用社会学的话来说，就是价值中立价值无涉。
　　那么，要看演员的什么呢，要反映出来演员的什么呢？这就是演员所需要做到的所有要素。
　　做到这一点，只有靠导演不断排戏和不断看戏，还有导演的内功了。